Художник матис: Хиндемит. Симфония «Художник Матис» (Symphony «Mathis der Maler»)

Хиндемит. Симфония «Художник Матис» (Symphony «Mathis der Maler»)

Symphony «Mathis der Maler»

Композитор

Год создания

1934

Дата премьеры

12.03.1934

Жанр

Страна

Германия

Состав оркестра: 2 флейты, флейта-пикколо, 2 гобоя, 3 кларнета, 2 фагота, 4 валторны, 2 трубы, 3 тромбона, туба, колокольчики, маленькие тарелки, тарелки, треугольник, малый барабан, большой барабан, литавры, струнные.

История создания

30-е годы — время расцвета многообразной творческой деятельности Хиндемита. Он живет в столице Германии, преподает композицию в Бер­линской Высшей музыкальной школе, гастролирует по всему миру в ка­честве дирижера, участника струнного трио, солиста-альтиста и исполни­теля на старинном инструменте — виоле д’амур. Известность музыканта велика: его приглашают в Вену для участия в праздновании 100-летия Брамса, в Каир — на конгресс, посвященный изучению арабской музыки.

Он автор многочисленных сочинений в самых разных жанрах — оперном и симфоническом, камерно-инструментальном и вокальном. В 1931 году в США прозвучала его Бостонская симфония, созданная к 50-летию этого прославленного оркестра, а в следующем в Берлине — Филармонический концерт (Вариации для оркестра), написанный в честь Берлинского филармонического оркестра и его руководителя, знаменитого дирижера В. Фуртвенглера. После нашумевших опер 20-х годов — кровавой драмы о художнике-убийце «Кардильяк» и едкой сатиры на жизнь современного города «Новости дня» — Хиндемит в 1932 году начинает работу над боль­шой историко-философской оперой «Художник Матис», которую еще до ее завершения Фуртвенглер включил в репертуар руководимой им Бер­линской государственной оперы.

Художник Матис — историческое лицо, сведения о котором весьма скудны и противоречивы. Точная дата его рождения неизвестна и колеб­лется между 1460 и 1480 годами. Фамилия его читалась то ли Нитхарт, то ли Найтхарт, затем была переделана на Готхарт, звали его также Грю­невальд и Матис (Матиас) из Ашаффенбурга, ибо он работал в этом городе — резиденции Майнцкого архиепископа, придворным живо­писцем которого был.

Именно тогда, по легенде, в его фамилии появи­лось слово Гот — Бог, заменившее отрицание Нит. Вероятно, он стал приверженцем Лютера и, с меньшей степенью вероятности, — участни­ком Крестьянской войны. Матис работал в монастыре Святого Анто­ния, основанном еще в XIII веке для исцеления больных возле деревни Изенгейм в Верхнем Эльзасе. В готической церкви Изенгейма он распи­сал створки резного деревянного алтаря, прославляя исцеляющую силу распятого Христа, Богоматери в белых одеждах сестры милосердия и Святого Антония, чудотворные мощи которого хранились в монасты­ре. Себя художник изобразил висящим на колонне в образе Святого Се­бастьяна, пронзенного стрелами. Парящие над ним ангелы несут муче­нический венец. Кровавые преследования лютеран после разгрома Крестьянской войны заставили Матиса покинуть Ашаффенбург, а затем и Франкфурт, куда он было переселился. Умер художник в Галле, пред­положительно от чумы, в 1528 году.

Хиндемит писал о своем герое — одном «из величайших художни­ков, каких мы когда-либо имели»: «Я не могу представить себе более жизненной, более содержательной с точки зрения искусства и гуманизма, более трогательной человечески и в полном смысле слова более драматической фигуры, чем создатель Изенгеймского алтаря, распятия в Карлсруэ и Штуппахерской Богоматери. Человек, чей образ в кривом зеркале легенды стал почти тенью, так что настоящее имя его долгое время оставалось неизвестным, еще и сегодня обращается к нам своим искусством с необычайной проникновенностью и теплотой. Этот чело­век, одаренный высочайшим совершенством художественного мастер­ства и пониманием своей миссии художника, мучимый всеми адскими муками сомнений и поисков истины, переживает в начале XVI века на­ступление новой эпохи с неизбежной ломкой общепринятых взглядов со всей восприимчивостью, свойственной такой натуре».

Подобный герой совершенно не устраивал национал-социалистских правителей Германии. Такого рода произведения отнюдь не воспевали славную историю фашистского рейха и не могли поэтому служить идео­логическим средством манипулирования общественным мнением. По­ становка оперы была запрещена лично Гитлером. Тогда по совету Фуртвенглера Хиндемит на материале оперы написал симфонию, которая под его управлением прозвучала в Берлине 12 марта 1934 года с триум­фальным успехом.

«Художник Матис» принес композитору небывалую славу — и од­новременно круто изменил всю его судьбу. Фашистская критика обру­шилась на Хиндемита, обвиняя его даже в плагиате. Ничем не примечательный австрийский композитор Р. Кундиграбер, более 30 лет руководивший музыкальной жизнью Ашаффенбурга — города Матиса, поместил в официальном фашистском журнале «Музыка» откры­тое письмо, где сообщал, что еще до Хиндемита сочинил четыре сим­фонические поэмы по картинам Изенгеймского алтаря, и три из них совпадают с названиями частей хиндемитовской симфонии. Травля ком­позитора разгорается, газеты публикуют все новые материалы по «делу Хиндемита». В его защиту выступает Фуртвенглер, угрожая отстав­кой с поста руководителя Берлинского филармонического оркестра и Берлинской государственной оперы. Министр пропаганды Геббельс на митинге деятелей культуры выступает против Хиндемита и Фуртвенглера, и «Музыка» выносит приговор: «Пауль Хиндемит в культур­но-политическом смысле неприемлем». С конца 1934 года его имя исчезает из всех программ: произведения второго после Р.

Штрауса крупнейшего немецкого композитора больше не исполняются в Герма­нии. И как раз тогда, когда в Цюрихе состоялась премьера оперы «Ху­дожник Матис» (28 мая 1938 года), в Дюссельдорфе на выставке «чуж­дого искусства» демонстрировались партитуры Хиндемита и его книга «Мир композитора».

«Художник Матис» — программная симфония, но программность ее своеобразна. Это редкое в истории музыки воплощение живописных образов (примеры — написанная почти за восемь десятилетий до того симфоническая поэма Листа «Битва гуннов» по картине Каульбаха, его же фортепианная пьеса «Обручение» по Рафаэлю, «Картинки с выстав­ки» Мусоргского и др.).

Музыка

Первая часть — «Концерт ангелов». Картина Изенгеймского алтаря изоб­ражает Богоматерь с Младенцем. На боковой створке справа — воз­носящийся Христос и павшие ниц солдаты у пустого каменного гроба; слева — поющие ангелы. В опере Хиндемита герой утешает дочь убито­го крестьянского вожака Регину чудесной сказкой: «И каждый ангел исполняет свою партию.

Один играет на скрипке и как-то особенно не­жно водит смычком, чтобы ни один призвук не омрачил чистоты мело­дии, другой как будто взглядом своим извлекает из струн радостные зву­ки; восторженно внимает третий далекому звону своей души, а сам в то же время наблюдает за исполнением всех правил игры. Сама их одежда музицирует с ними. Переливаются всеми цветами перья на крыльях, из них вылетает целый рой звуков. Легкий панцирь из неземного металла вспыхивает от звуковых волн как от биения живого сердца, и в едином созвучии многих разноцветных световых кругов, в едва слышной песне чудесным образом является нам зримая жизнь формы».

Музыка «Концерта ангелов» величава и лучезарна. Это сонатное аллегро с медленным вступлением, гармоничным и стройным, образую­щим ясную трехчастную форму. Обрамляют ее торжественные холодные хоральные аккорды духовых, вводящие в образный мир средневеко­вой архаики. В центре вступления — подлинная народная песня XVI века «Три ангела пели» (из знаменитого сборника поэтов-романтиков А. Арнима и К. Брентано «Чудесный рог мальчика», которым на протя­жении всего творческого пути вдохновлялся Малер — текст этой песни использован им в Третьей симфонии). Песню мягко интонируют в уни­сон три тромбона с контрапунктом струнных, которые проводят также унисонную, линеарную по складу тему. Песня звучит трижды, с вклю­чением новых инструментов, в красочном сопоставлении все повышаю­щихся тональностей и превращается в светлый гимн, исполняемый пол­ным оркестром с подчеркнуто колокольным тембром (колокольчики). Светлое и прозрачное сонатное аллегро — подлинный концерт в перво­начальном смысле этого слова — состязание. Экспозиция основана на трех близких по характеру, но мелодически различных темах: танцеваль­ной главной, более напевной побочной и щебечущей заключительной. При внешней простоте тем развитие их отличается изощренным поли­фоническим мастерством, столь свойственным Хиндемиту. Вначале — фугато на главную и побочную темы, которые словно состязаются, об­мениваясь исполняющими их инструментами.

Мастерски рассчитана кульминация, объединяющая темы сонатного аллегро и вступления. Снова трижды, в повышающихся тональностях, проходит песня «Три ангела» у медных инструментов; в более высоком регистре контрапунктом звучат мотивы побочной и главной у деревянных; в аккомпани­рующих пассажах струнных слышны обороты заключительной. Реприза не следует классическим закономерностям: главная партия — не в глав­ной тональности, а на полтона выше; за ней следует не побочная, а зак­лючительная, тоже в другой тональности. Лишь возникающий в конце начальный мотив главной партии обретает тонику, которая утверждает­ся в трижды повторенной побочной. Красочен и архаичен заключитель­ный каданс.

Вторая часть — «Положение во гроб». Это последнее законченное творение художника Матиса, а в опере — последняя картина, в которой сосредоточены просветленно-созерцательные эпизоды, в том числе смерть Регины, оркестровая интерлюдия «Положение во гроб» и про­щальный монолог завершившего свои земные труды героя. Очень, крат­кая центральная часть симфонии — своего рода эпитафия, суровая, сдер­жанная, возвышенная, даже несколько холодноватая и отрешенная, в частности, благодаря преобладанию тембров высоких деревянных ин­струментов. Композитор использует трехчастную форму, насыщенную полифоническим развитием и жесткими гармониями. Применяются та­кие пришедшие из глубины веков приемы изображения скорби, как нис­ходящие секунды-вздохи или пунктирный ритм — поступь траурного марша. При господстве минора завершается часть мажором, как это при­суще, например, пьесам Баха.

Наиболее развернута третья часть — «Искушение Святого Антония», образующая резкий контраст торжественной сдержанности предшеству­ющих. На картине Изенгеймского алтаря изображены демоны и фантас­тические существа — порождение ночных кошмаров (крылатый носо­рог с кровавой пастью, чудовищная шестиногая птица, огромные насекомые — помесь чертей, стрекоз и обезьян, монах-жаба с раздутым зеленым бородавчатым брюхом). Когти, клювы, зубы терзают распрос­тертого на земле Антония, подобно отвратительным порокам и темным страстям. В опере это — страшный сон героя в ночном лесу: Матис ас­социирует себя с Антонием и в то же время видит покинутую им воз­любленную в облике блудницы, искушающей его соблазнами чувствен­ной страсти; по молитве к Иисусу дьявольские наваждения исчезают, и небесный свет торжествует над нечистью.

Часть открывается медленным вступлением в свободном ритмическом движении с атональной унисонной темой, нетипичной для Хиндемита и понадобившейся здесь для обрисовки дьявольских сил. Она близка к лишенным тяготений темам-сериям Шёнберга и в то же время пере­кликается с вступлением и началом главной партии «Фауст-симфонии» Листа. Основной раздел — искусно построенное сонатное аллегро с листовским принципом трансформации тематизма и яркой театральностью — вызывает неожиданные ассоциации как с чуждым Хиндемиту романтиз­мом в наиболее неистовом его выражении — у Берлиоза, так и с весьма далеким по стилю современником — Рихардом Штраусом, духовным наследником Берлиоза и Листа. Главная партия, вырастающая из темы вступления, рисует демоническую скачку. Неожиданно издалека доно­сится соло флейты, резко контрастное, но являющееся преобразовани­ем той же темы. Прерываемое жесткими аккордами фортиссимо всего оркестра, оно подготавливает побочную партию, которая поражает внут­ренней конфликтностью. На приглушенно мрачном фоне струнных (вариант темы вступления в ритме скачки) солирующие деревянные духовые выпевают широкую лирическую тему. Активное наступление зла достигает кульминации и внезапно меняет свой облик: медленный лирический эпизод, в котором струнные интонируют совершенно пре­ображенную тему вступления, рисует дьявольское искушение любовью. Это — центр формы, после которого разделы экспозиции возвращаются в зеркальном отражении. Но теперь сопротивление злу крепнет, темы преобразуются и приводят к победной гимнической коде. Четко акцентированная тема вступления многократно повторяется солирующей вал­торной как остинатная основа строго диатонического просветленного григорианского хорала «Lauda Sion» («Слава Спасителю Сиона») — под­линного напева, сочиненного монахом Фомой Аквинским около 1263 года для праздника Тела Господня. Его завершает хорал медных «Алли­луйя», звучащих подобно органу. Так подлинный церковный гимн в кон­це симфонии и народная духовная песня в ее начале служат обрамлени­ем созданных Хиндемитом музыкальных картин о великом, вечном искусстве.

А. Кенигсберг

Я рекомендую

Это интересно

Твитнуть

реклама

вам может быть интересно

Опера Хиндемита «Художник Матис» (Mathis der Maler)

Mathis der Maler

Композитор

Дата премьеры

28.05.1938

Жанр

Страна

Германия

Опера немецкого композитора Хиндемита в семи картинах; либретто композитора. Премьера: Цюрих, 28 мая 1938 г. ; в Германии — Штутгарт, 13 декабря 1946 г.

Основные действующие лица:

Сюжет

1524 год. Майнц во времена Крестьянской войны. Художник Матис работает над росписью собора. Он далек от политики. Встретив предводителя крестьян Швальба с дочерью Региной, он помогает раненому мятежнику скрыться от преследователей и сам втягивается в борьбу на стороне восставших. Когда настоятель собора Поммерсфельден требует казни Матиса за его помощь Швальбу, покровитель художника кардинал Альбрехт защищает его. Матис в гуще борьбы. Он вынужден расстаться со своей возлюбленной Урсулой, которую протестанты сватают (во имя примирения) за католического кардинала. Матис становится свидетелем рсправы крестьян над аристократом и его женой. Он пытается защитить несчастную женщину и сам чуть не погибает. Спасаясь от преследователей вместе с Региной, обессиленный художник впадает в забытье. Его посещают различные видения. Одно из них, в виде его покровителя Альбрехта, преобразившегося в отшельника, внушает Матису, что его долг — вернуться к творчеству. Матис снова в своей мастерской. Рядом с ним умирающая Регина и Урсула. Закончив последнюю картину, он принимает решение покинуть Майнц. Кардинал уговаривает его остаться, но Матис неумолим. Он уходит, чтобы завершить свой путь вдали от земных радостей.

Хиндемит в своей опере раскрывает судьбу великого немецкого художника М. Грюневальда (1480—1525), создавшего Изенгеймский алтарь. Его мучает вопрос о месте художника в жизни общества, на который нет однозначного ответа. В опере велика роль оркестра. Через всю партитуру проходит лейтмотив песни «Три ангела», связанный с сюжетом одной из картин Грюневальда — «Концерт ангелов».

Премьера должна была состояться в Германии п/у Фуртвенглера в 1934 году, но была запрещена нацистами. На немецкой сцене сочинение было поставлено только в 1946 году (Штутгарт). В настоящее время ставится на ведущих сценах мира (1960, Гамбург; 1974, Лондон и др.).

Дискография: CD — EMI. Дир. Кубелик, Матис (Фишер-Дискау), Альбрехт (Кинг), Урсула (Вагеман), Регина (Кошут).

Е. Цодоков

Я рекомендую

Это интересно

Твитнуть

реклама

вам может быть интересно

Главы из книг

Художники по направлению: Импрессионизм — WikiArt.org

направление

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — одно из крупнейших течений в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру. Представители импрессионизма стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определённом наборе методов и приёмов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений. Из родственных течений декаданса ближе всего к импрессионизму находится символизм. Многие художники, начиная в стиле символизма (и во вполне академической манере письма), затем переходили на стилистическую платформу импрессионизма.

Термин «импрессионизм» возник с лёгкой руки критика журнала «Le Charivari» Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название картины Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (фр. Impression, soleil levant). Изначально этот термин носил несколько пренебрежительный характер, указывая на соответствующее отношение к художникам, писавшим в новой «небрежной» манере.

В эпоху Возрождения живописцы венецианской школы пытались передать живую реальность, используя яркие краски и промежуточные тона. Их опытами воспользовались испанцы, наиболее отчётливо это выражено у таких художников как Эль Греко, Веласкес и Гойя, чьё творчество впоследствии оказало серьёзное влияние на Мане и Ренуара.

В это же время Рубенс делает тени на своих полотнах цветными, используя прозрачные промежуточные оттенки. По наблюдению Делакруа, Рубенс отображал свет при помощи тонких, изысканных тонов, а тени — более теплыми и насыщенными цветами, передавая эффект светотени. Рубенс не использовал чёрный цвет, что позднее станет одним из основных принципов живописи импрессионистов.

На Эдуарда Мане влияние оказал нидерландский художник Франс Халс, писавший резкими мазками и любивший контраст ярких красок и чёрного цвета.

Переход живописи к импрессионизму также подготовили английские живописцы. Во время франко-прусской войны (1870—1871) Клод Моне, Сислей и Писсарро отправились в Лондон, чтобы там иметь возможность изучить великих пейзажистов — Констебла, Бонингтона и Тёрнера. Что же касается последнего, то уже в его поздних работах заметно, как исчезает связь с реальным изображением мира и уход в индивидуальную передачу впечатлений.

Сильное воздействие оказал Эжен Делакруа, он уже различал локальный цвет и цвет, приобретаемый под воздействием освещения, его акварели, написанные в Северной Африке в 1832 году или в Этрета в 1835 году, и особенно картина «Море в Дьепе» (1835) позволяют говорить о нём как о предшественнике импрессионистов.

Последним элементом, который повлиял на новаторов, стало японское искусство. С 1854 года благодаря прошедшим в Париже выставкам молодые художники открывают для себя мастеров японской гравюры таких как Утамаро, Хокусай и Хиросиге. Особое, неизвестное доселе в европейском изобразительном искусстве, расположение изображения на листе бумаги — смещённая композиция или композиция с наклоном, схематическая передача формы, склонность к художественному синтезу, завоевали расположение импрессионистов и их последователей.

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 годам, когда молодых художников уже не устраивают средства и цели академизма, вследствие чего каждый из них самостоятельно ищет иные пути развития своего стиля. В 1863 году Эдуард Мане выставляет в «Салоне отверженных» картину «Завтрак на траве» и активно выступает на встречах поэтов и художников в кафе Гербуа, которое посещали все будущие основатели нового течения, благодаря чему стал главным защитником современного искусства.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Импрессионизм

Художники по направлению: Постимпрессионизм — WikiArt.

org

направление

Постимпрессиони́зм (фр. postimpressionisme, от лат. post — «после» и «импрессионизм») — художественное направление, условное собирательное обозначение неоднородной совокупности основных направлений в европейской (главным образом — французской) живописи; термин, принятый в искусствознании для обозначения магистральной линии развития французского искусства начиная со второй пол. 1880-х гг. до нач. ХХ в.

Художники этого направления отказывались изображать только зримую действительность (как натуралисты) или сиюминутное впечатление (как импрессионисты), а стремились изображать её основные, закономерные элементы, длительные состояния окружающего мира, сущностные состояния жизни, при этом подчас прибегая к декоративной стилизации.

К выдающимся представителям постимпрессионизма в живописи относятся Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Поль Сезанн. Для постимпрессионизма характерны разные творческие системы и техники, объединённые по сути лишь тем, что они отталкивались от импрессионизма. Они сильно повлияли на последующее развитие изобразительного искусства, став основой направлений в современной живописи. Крупные мастера своей проблематикой положили начало многим тенденциям изобразительного искусства XX в.: работы Ван Гога предвосхитили появление экспрессионизма, Гоген проложил путь к символизму и модерну. При этом многие мелкие направления (например, пуантилизм), существовали только в данный хронологический период.

Термин «постимпрессионизм» ввел в обиход английский критик Роджер Фрай, говоря о впечатлении от устроенной им в Лондоне в 1910 г. выставке современного французского искусства, на которой были представлены работы Ван Гога, Тулуз-Лотрека, Сёра, Сезанна и других художников.

Начало постимпрессионизма приходится на кризис импрессионизма в конце XIX века. Тогда, в 1886 году, состоялась последняя выставка импрессионистов, где были впервые показаны работы постимпрессионистов — неоимпрессионистов. Тогда же был опубликован «Манифест символизма» французского поэта Жана Мореаса. Однако некоторое время импрессионизм и постимпрессионизм (несмотря на его название), существуют параллельно, причём постимпрессионизм одновременно и принимал, и отвергал некоторые принципы своего предшественника.

Будущие художники-постимпрессионисты (многие из которых ранее примыкали к импрессионизму), начали искать новые методы и выразительные средства, которые были бы более созвучны эпохе. Желая преодолеть эмпиризм художественного мышления, они отказались от стремления импрессионистов запечатлеть сиюминутность («впечатление»), и принялись осмысливать длительные состояния окружающего мира, стремились запечатлеть длительные, сущностные состояния жизни, причём — и материальные, и духовные. Кроме того, вырос интерес к философским и символическим началам искусства, что также было результатом определенного духовного кризиса европейской культуры этого времени, поисков художниками устойчивых идейно-нравственных ценностей. Тем не менее, художники, ныне объединяемые под термином «постимпрессионисты», не были объединены ни общей программой, ни школой, ни методом.

Возникшие новые течения декларативно отказывались от эстетики импрессионизма и реализма. Художники занимались поисками, которые приводили к возникновению различных направлений, из которых и сложился постимпрессионизм: пуантилизм (Жорж Сёра, Поль Синьяк), символизм Гогена и группы «наби» (Морис Дени, Поль Серюзье, Пьер Боннар), создание линейно-живописного строя будущего стиля модерн (Тулуз-Лотрек и др.), принципы Сезанна, и проч. Различные направления и индивидуальные творческие системы активно влияли друг на друга.

Сезанн, например (и его последователи сезаннисты), считал, что задача художника заключается не в фиксации мгновенных впечатлений от действительности, а в глубоком её изучении, выявлении и передаче общих, основополагающих качеств — объёма, структуры, весомости; в интересе вечного монументального характера мира, его устойчивых, непреходящих черт. Его методом было построение контрастами цвета прочной, устойчивой объемной формы, на её обобщение и геометричность, а основой живописи были рисунок, цвет и контрасты.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Постимпрессионизм

Пауль Хиндемит. Симфония «Художник Матис»

1930-е гг. стали для Пауля Хиндемита временем творческого расцвета и славы. Он успешно гастролировал по разным странам мира как дирижер, как исполнитель на альте и виоле д’амур, выступал в составе струнного трио. Его приглашали на различные мероприятия – конгресс по исследованию арабской музыки в Каире, торжества по случаю столетнего юбилея Иоганнеса Брамса в Вене. Росла его композиторская слава – в Америке была исполнена его Бостонская симфония, в Германии – Филармонический концерт, пользовались известностью и другие его сочинения. Но грозные события, разворачивавшиеся в Германии, не могли не затронуть судьбу композитора.

Внимание Хиндемита привлекла загадочная историческая личность – Матис, немецкий художник эпохи Возрождения. Даже фамилия его точно неизвестна – Грюневальд, Нитхарт, Готхарт (согласно легенде, художник заменил первый слог своей фамилии, означающий отрицание, на слово «Гот» – «Бог»). Художник жил в бурную эпоху – он был свидетелем (и, возможно, участником) Крестьянской войны, а также Реформации, и бури эпохи не могли не наложить отпечаток на его творчество (немецкие экспрессионисты начала ХХ столетия рассматривали Матиса как своего предшественника). Не так много работ художника дошло до наших дней, и самая знаменитая из них – Изенгеймский алтарь, созданный Матисом для монастыря св. Антония, расположенного в Верхнем Эльзасе.

Личность и творчество Матиса вызывали восхищение Хиндемита. В глазах композитора Матис был «человеком … мучимым всеми адскими муками сомнений и поисков истины». Но если Хиндемит восхищался художником, то у властей нацистской Германии эта историческая личность восторга не вызывала. Опера Хиндемита «Художник Матис», которую дирижер Вильгельм Фуртвенглер еще до завершения предназначил к исполнению в возглавляемом им оперном театре, так и не была поставлена – ее премьеру запретил лично Гитлер. Разумеется, и автору, и дирижеру было жаль, что публика так и не услышит прекрасной музыки Хиндемита, но Фуртвенглер нашел выход из этой непростой ситуации: он посоветовал композитору использовать музыкальный материал оперы для создания симфонии (ведь речь шла о запрете конкретного сочинения, а не сюжета вообще!). Хиндемит совету дирижера последовал – так в 1934 г. родилась программная симфония «Художник Матис».

Содержание симфонии составляют не события из жизни художника, а его творения – части Изенгеймского алтаря. Это не первый в истории музыки случай, когда источником вдохновения для композитора становились произведения изобразительного искусства, и всё же это достаточно редкое явление. Часть первая – «Концерт ангелов» – открывается торжественным вступлением, в котором звучит мелодия песни «Три ангела пели» (лейттема оперы). Музыка пронизана не благостным спокойствием (как можно было бы ожидать), а активной действенностью. Главная партия сочетает в себе черты архаичные (диатоническая ладовая основа) и новые (сложное строение музыкальной ткани). Ее активности противопоставляется изящество и лиричность побочной партии. Заключительная партия, излагаемая флейтой, имеет оттенок танцевальности. Первая фаза разработки представляет собой фугу, во второй фазе – кульминационной – три темы экспозиции объединяются в едином потоке. В репризе напряжение спадает в главной партии, побочная приобретает торжественный характер.

Часть вторая – «Положение во гроб» – исполнена скорби. В крайних разделах трехчастной формы ощущается мерная поступь погребального шествия, средний раздел отмечен большей эмоциональной непосредственностью. Мажорные завершения построений не только проводят параллель со старинной музыкой, но и придают звучанию торжественно-просветленный характер.

Часть третья – «Искушения св. Антония» – раскрывает идею победы человека над силами зла, музыкальное воплощение которых перекликается с листовскими демоническими образами.

Расчет композитора и дирижера оказался верным – симфония не была запрещена. Произведение, впервые прозвучавшее в Берлине в марте 1934 г., имело грандиозный успех – но это не спасло Хиндемита от нападок. Обвинения в его адрес поражали своей абсудрностью: Кундиграбер – композитор далеко не самый значительный, но занимавший высокий пост на родине Матиса (в городе Ашаффенбурге), упрекнул Хиндемита в плагиате на том основании, что… он сам несколькими годами раньше написал симфонические поэмы по тем же произведениям художника, и это была лишь малая часть травли, которую пришлось пережить композитору. Геббельс объявил Хиндемита «неприемлемым в культурном и политическом смысле», произведения композитора перестали исполняться в Германии. Но ничто не могло воспрепятствовать мировой славе композитора – за границей исполнялась и симфония, и опера «Художник Матис».

 

Копирование запрещено.

 

Анри Матисс – биография, фото, личная жизнь, картины, произведения

Биография

Яркость цветов, простота техники, экспрессия — картины французского художника Анри Матисса поражают неординарностью. Лидер фовизма перепробовал кучу направлений в изобразительном искусстве, прежде чем нашел собственный стиль, отличающийся «диким» характером.

Детство и юность

Родина великого художника – северный городок Ле-Като-Камбрези во Франции. Здесь в 1869 году в семье успешного торговца зерном родился первенец, которого назвали Анри Эмиль Бенуа Матисс. Судьба ребенка была предрешена – в то время первый наследник в семействе обязан был в будущем взять на себя дело отца. Но, видимо, мальчик унаследовал гены матери, которая любила коротать свободное время за росписью керамических поделок.

Художник Анри Матисс

Анри готовили к будущему обстоятельно, он отучился в школе, затем в лицее. Далее строптивый сын, вопреки воле главы семейства, отправился в Париж постигать юридические науки. С дипломом, далеким от искусства, вернулся домой, где проработал несколько месяцев клерком.

Судьбу решила болезнь. Творческая биография одаренного художника началась в 1889 году, когда Анри Матисс попал под нож хирурга с аппендицитом.

Автопортрет Анри Матисса

Восстанавливался после операции два месяца. Чтобы сын не скучал, мама принесла в больницу принадлежности для рисования, и Матисс начал самозабвенно копировать цветные открытки. В это время молодой человек окончательно понял, чему хочет посвятить жизнь.

Живопись

Мечта стать учеником столичной Школы изящных искусств не давалась. Дебютное поступление Анри провалил, поэтому пришлось сначала посидеть за партами других учебных заведений, где знакомили с азами живописи. И все же в 1895 году «крепость» сдалась – вместе с будущим известным художником Альбером Марке Матисс поступил в вожделенную Школу искусств, в мастерскую Гюстава Моро.

В круг интересов в начале творчества входило современное искусство, Анри Матиссу было также любопытно японское направление. Символист до мозга костей Моро отправлял учеников учиться «играть цветом» в Лувр, где Анри пытался подражать классикам живописи, копируя картины. Мастер учил «мечтать о цвете», вот откуда у художника Матисса зародилась страсть к поиску подходящих оттенков для передачи эмоций.

Картина Анри Матисса «Бутылка схидама»

В раннем творчестве уже проявилась смесь учений Моро с позаимствованными элементами у признанных мастеров кисти. Например, натюрморт «Бутылка схидама» отличается неоднозначностью: с одной стороны, темные цвета выдают подражание Шардену, а широкие мазки и смесь черного с серебристым – Мане. Позже Анри признавался:

«Я воспринимаю экспрессивную сторону цвета чисто интуитивно. Передавая осенний пейзаж, я не стану припоминать, какие оттенки цвета подходят к этому времени года, меня будут вдохновлять только ощущения осени… Я выбираю цвета не по какой-нибудь научной теории, но по чувству, наблюдению и опыту».

Изучение классики быстро наскучило художнику, и он обратился к импрессионистам, в частности преклонялся перед полотнами Винсента ван Гога. Цвет в ранних работах еще тусклый, но постепенно набирал сочность, тяготение к импрессионизму стало преображаться в собственный неповторимый стиль. Уже в 1896 году в художественных салонах стали появляться первые творения начинающего живописца.

Первая персональная выставка не произвела фурор в кругах ценителей искусства. Анри Матисс решил уехать из столицы Франции подальше на север, где попробовал силы в технике точечных мазков. В это время из-под его пера вышел первый шедевр – «Роскошь, покой и наслаждение». Но и эту манеру письма мужчина не нашел «родной».

Картина Анри Матисса «Женщина в шляпе»

Революция в творчестве художника пришлась на 1905 год. Матисс вместе с группой единомышленников создал новый стиль в живописи, получивший название фовизм. Энергия красок, представленная на выставке осенью, потрясла зрителей. Анри представил две работы – портрет «Женщина в шляпе» и картину «Открытое окно».

На художников обрушилась волна негодования, посетители выставки не понимали, как можно настолько пренебрегать всеми традициями изобразительного искусства. Основателей стиля окрестили фовистами, то есть дикарями.

Картина Анри Матисса «Радость жизни»

Впрочем, такое внимание, пусть и негативное, принесло Матиссу популярность и хорошие дивиденды: у картин появились поклонники, которые с удовольствием их покупали. Например, «Женщину в шляпе» сразу на выставке забрала американская писательница Гертруда Стайн, а полотно «Радость жизни», появившееся в 1906 году, купил знаменитый коллекционер Лео Стайн.

Чуть позже случилось знаменательное событие – художник познакомился с еще не известным Пабло Пикассо, общение вылилось в десятилетия дружбы, на протяжении которых мастера кисти соревновались друг с другом. Пикассо говорил, что смерть любого из них будет для каждого невосполнимой потерей, ведь обсудить некоторые творческие вопросы так бурно больше не с кем.

Картина Анри Матисса «Танец»

Два самых известных полотна – «Танец» и «Музыка» – Матисс написал для мецената Сергея Щукина. Россиянин заказал картины для дома в Москве. Художник, работая над эскизами, поставил цель создать нечто такое, чтобы зашедший в особняк чувствовал облегчение и покой. Интересно, что монтаж картин Анри контролировал лично – француз приехал в столицу России, где его приняли с восторгом. Самого же художника впечатлила коллекция старинных икон хозяина дома и простота россиян.

Видимо, гонорар художник получил неплохой, потому как сразу поехал в путешествие. Побывал в восточной сказке Алжира, а вернувшись домой, тут же сел за работу – свет увидела картина «Голубая обнаженная». Эта поездка произвела неизгладимое впечатление на Матисса, в творчестве появляются новые элементы, мужчина создает литографии, гравюры на керамике и дереве.

Картина Анри Матисса «Голубая обнаженная»

Очарование Востока не отпускало, француз продолжал знакомиться с Африкой, съездив в Марокко. А затем отправился в путешествие по Европе и Америке. В это время его творчество постепенно стало лишаться примет фовизма, наполняясь тонкостью и особенной глубиной, появилась связь с природой.

Во время Второй мировой войны у художника нашли онкологию, после операции мужчина не мог передвигаться. В тот период Матисс выдумал новое направление в области декупажа, в основе которого лежит составление картин из кусочков окрашенной бумаги.

Скульптор Анри Матисс

Точку в творчестве Анри Матисс поставил масштабным проектом оформления женского монастыря в Вансе. Говорят, что художника просили только отредактировать витражные наброски, но тот с энтузиазмом засучил рукава и создал полный проект. Кстати, эту работу мужчина считал неким знаком судьбы на закате жизни и лучшей в своей копилке художественных трудов.

Личная жизнь

Личную жизнь Анри Матисса украсили три женщины. В 1984 году художник впервые стал отцом – модель Каролина Жобло подарила талантливому живописцу дочь Маргариту. Однако Анри женился вовсе не на этой девушке.

Анри Матисс с женой и дочерью Маргаритой

Официальной супругой стала Амели Парейр, с которой представитель мира живописи познакомился на свадьбе товарища. Девушка выступала в роли подружки невесты, а Анри случайно посадили рядом за стол. Амели сразила любовь с первого взгляда, молодой человек тоже начал оказывать знаки внимания. Девушка стала первым близким человеком, который поверил в его талант безоговорочно.

Анри Матисс и Амели Парейр

Перед бракосочетанием жених предупредил невесту, что главное место в жизни всегда будет занимать работа. Даже на медовый месяц новоиспеченная семья поехала в Лондон, чтобы познакомиться с творчеством Уильяма Тернера.

В браке родились сыновья Жана-Жерар и Пьер. Супруги к тому же взяли в свою семью на воспитание Маргариту. Долгие годы дочь и жена занимали места главных моделей и муз художника. Одна из знаменитых картин, посвященных жене, – «Зеленая полоса», написанная в 1905 году.

Картина Анри Матисса «Зеленая полоса» и Амели Парейр

Этот портрет любимой женщины поразил тогдашних ценителей искусства «уродливостью». Зрители считали, что представитель фовизма переборщил с яркостью красок и откровенной правдивостью.

На пике популярности, который пришелся на 30-е годы, художнику понадобился помощник. Матисс в то время с семьей переехал в Ниццу. Однажды в доме появилась молоденькая российская эмигрантка Лидия Делекторская, которая стала секретарем живописца. Супруга сначала не видела в девушке опасности – мужу не нравились светловолосые. Но ситуация поменялась мгновенно: случайно увидев Лидию в спальне жены, Анри бросился ее рисовать.

Анри Матисс и Лидия Делекторская

Впоследствии Амели развелась со знаменитым супругом, а Дилекторская стала последней музой Матисса. Какие отношения царили в этом союзе, была это любовь, или пара ограничивалась совместной работой, до сих пор не известно. Среди россыпи рисунков и картин, на которых изображена Лидия, особняком стоит полотно «Одалиска. Голубая гармония».

Смерть

1 ноября 1954 года Анри Матисса поразил микроинсульт. Спустя два дня великий художник скончался. Легенда гласит, что Дилекторская перед самой смертью навестила живописца в спальне, где произнесла:

«В другой день вы бы сказали: давайте карандаш и бумагу».

Анри с улыбкой ответил:

«Давайте карандаш и бумагу».

Произведения

• 1896 – «Бутылка схидама»
• 1905 – «Радость жизни»
• 1905 – «Женщина в шляпе»
• 1905 – «Зеленая полоса»
• 1905 – «Открытое окно в Коллиуре»
• 1907 – «Голубая обнаженная»
• 1908 – «Красная комната»
• 1910 – «Музыка»
• 1916 – «Купальщица у реки»
• 1935 – «Розовая обнаженная»
• 1937 – «Женщина в фиолетовом пальто»
• 1940 – «Румынская блуза»
• 1952 – «Грусть короля»

«Художник Матис» в Цюрихе: До свидания, Перейра

Впервые оперу Хиндемита поставили здесь же, в Цюрихе, в 1938 г. На родине в Германии Хиндемиту рассчитывать было не на что: уже в 1933 г. половину его произведений нацисты объявили «культурбольшевистскими» и поместили в черный список. Исполнение еще не запрещенных каждый раз оказывалось проявлением гражданского мужества.

Обелить композитора в глазах новой власти пытался Вильгельм Фуртвенглер. Он был заказчиком и первым исполнителем симфонии «Художник Матис», которую композитор создал в 1934 г. по материалам еще недописанной оперы с тем же названием. А как-то перед началом «Тристана» в берлинской опере великий дирижер прочитал со сцены собственную статью «Случай Хиндемита». Так он хотел защитить своего любимого композитора.

В почетных ложах сидели Геринг и Геббельс. Последний вскоре публично ответил Фуртвенглеру, выступая в переполненном берлинском Дворце спорта. Он назвал Хиндемита «атональным мастером шума» (на самом деле «Художник Матис» далек от атональности) и отметил, что национал-большевизм – «это не только политическая и социальная, но и культурная совесть нации». Вскоре композитор вынужден был эмигрировать, сперва во Францию, затем в Америку.

На премьеру оперы в Цюрихе съехалась вся интеллектуальная элита Старого Света. Опера, посвященная судьбе художника в эпоху всеобщих войн (автор «Изенгеймского алтаря» Матиас Грюневальд, ставший прообразом главного героя, жил на рубеже суровых XV–XVI столетий), стала символом сопротивления бессмысленной эпохе.

Новый цюрихский спектакль повторяет все нюансы либретто, написанного самим Хиндемитом (его предполагавшееся сотрудничество с великим поэтом Готфридом Бенном завершилось неудачей). Здесь есть и бунт крестьян, бессмысленный и беспощадный, с жуткой сценой насилия над аристократами, и долгая сцена сожжения книг, и попытки епископа Майнца (американский тенор кубинского происхождения Рейнальдо Масиас) защитить художника от опасностей века.

В либретто лишь одна вымышленная фигура – возлюбленная Матиаса Урсула (ее безукоризненно поет Эмили Маги), все остальные персонажи подлинные. Разве что Матиас Грюневальд (Томас Хэмпсон блистает в заглавной партии) в результате изысканий оказался ныне Готхардом Нитхартом. Но режиссеру Матиасу Хартману важны не детали, а фабула: он ставит спектакль, где история аккомпанирует драме художника, мечтающего о творчестве, а не борьбе с веком. Но одного без другого не бывает.

Дирижер Даниэль Гатти играет решительно и быстро, ведь при замедленном ритме Хиндемит может показаться сегодня старомодным (чего, впрочем, избежала недавняя премьера в опере Парижа с Кристофом Эшенбахом за пультом; «Ведомости» писали о ней 10.12.2010). Это чувство возникает от неторопливой режиссуры первого акта, но исчезает во втором, где развернулась фантазия художника Йоханеса Шюца. Он воссоздает работу над «Изенгеймским алтарем» при помощи видео: ход простой и эффектный.

Премьера «Матиса» стала последней в многолетнем интендантстве в Цюрихе Александра Перейры. Публика здесь любит Перейру. Премьера «Художника Матиса» началась с оваций зала, обращенных к ложе интенданта.

Он возглавил театр в 1991 г. и сделал его одним из лучших в Европе. Перейра соблюдал пропорции между расхожей классикой, редкими опусами и заказом произведений современным композиторам. Либреттистам он предлагал не скромничать. Опера Эдварда Раштона была посвящена мотоциклу «Харлей» (опера так и называлась). «Джезуальдо» Марко-Андре Дальбави – автору гениальных мадригалов, композитору-убийце Джезуальдо да Венозе.

Перейра оставляет театр в хорошем состоянии. Новый же сезон откроет в сентябре «Енуфа» Яначека в постановке Дмитрия Чернякова.

Анализ 100 известных картин, полное собрание сочинений и биография

Анри Матисс (31 декабря 1869 г. — 3 ноября 1954 г.), один из бесспорных мастеров искусства 20-го века, был французским художником, известным своим использованием цвета, плавным и оригинальным рисованием. Он был рисовальщиком, гравером и скульптором, но известен прежде всего как художник. Матисс, наряду с Пикассо и Марселем Дюшаном, обычно считается одним из трех художников. который помог определить революционные события в пластическом искусстве в первые десятилетия 20-го века, отвечая за значительные достижения в живописи и скульптуре. Хотя изначально его называли фовистом (диким зверьком), к 1920-м годам его все чаще провозглашали сторонником классических традиций французской живописи. Его мастерство выразительного язык цвета и рисунка, представленный в работе, охватывающей более полувека, принес ему признание как ведущей фигуры в современном искусстве.

Ранняя жизнь и образование

Анри Матисс родился в Ле Като-Камбрези, Север, Франция.Он вырос в Боэн-ан-Вермандуа, Пикардия, Франция, где его родители владели цветочным бизнесом; он был их первым сыном. В 1887 г. он отправился в Париж, чтобы изучать право, а после получения квалификации работал администратором суда в Ле Като-Камбрезис. Он впервые начал рисовать в 1889 году, после того, как его мать принесла ему искусство. поставляет в период выздоровления после приступа аппендицита. Он открыл для себя «своего рода рай», как он позже описал его, и решил стать художником, глубоко разочаровав его. его отец.В 1891 году он вернулся в Париж, чтобы изучать искусство в Академии Жюлиана и стал учеником Вильгельма Адольфа Бугро и Гюстава Моро. Первоначально он рисовал натюрморты и пейзажи в традиционном стиле, в которых он достиг разумного мастерства. На Матисса оказали влияние работы более ранних мастеров, таких как Жан-Батист-Симеон Шарден, Николя Пуссен, и Антуан Ватто, а также современные художники, такие как Эдуард Мане, и японское искусство.Шарден был одним из самых уважаемых художников Матисса; как студент художественного факультета он сделал копии четырех картин Шардена в Лувре.

От модели Кэролайн Жоблау у него была дочь Маргарита, родившаяся в 1894 году. В 1898 году он женился на Амели Ноэлли Парайр; они вместе воспитывали Маргариту и родили двух сыновей, Жана (1899 г.р.) и Пьер (род. 1900). Маргарита и Амели часто служили моделями для Матисса.

В 1896 году Матисс, неизвестный в то время студент-искусствовед, посетил австралийского художника Джона Рассела на острове Бель-Иль у побережья Бретани.Рассел познакомил его с импрессионизмом и картины Винсента Ван Гога, который был другом Рассела, и подарил ему одну из Рисунки Винсента Ван Гога. Стиль Матисса полностью изменился; отказавшись от палитры землистых оттенков в пользу ярких красок. Позже он сказал «Рассел был моим учителем, и Рассел объяснил мне теорию цвета».

В 1898 году по совету Камиля Писсарро он отправился в Лондон изучать картины Дж.М. В. Тернер, а затем отправился в путешествие на Корсику. По возвращении в В Париже в феврале 1899 года он работал вместе с Альбертом Марке и познакомился с Андре Дереном, Жаном Пюи и Жюлем Фландрином. Матисс погрузился в работу других и залез в долги, покупая работы у художники, которыми он восхищался. Работы, которые он повесил и выставил в своем доме, включали гипсовый бюст Родена, картину Гогена, рисунок Ван Гог и Три купальщицы Поля Сезанна.В чувстве живописной структуры и цвета Сезанна Матисс находил свое главное вдохновение.

Многие из картин Матисса с 1898 по 1901 год используют технику Дивизиона, которую он перенял после прочтения эссе Поля Синьяка «Эжен Делакруа и неоимпрессионизм». Его картины 1902–1903 годов, периода материальных трудностей для художника, сравнительно мрачны и демонстрируют озабоченность формой. Сделав свою первую попытку скульптуры, копию Антуана-Луи Бари, в 1899 году он посвятил много сил работе с глиной, завершив «Раба» в 1903 году.

Фовизм

Его первая персональная выставка прошла в галерее Амбруаза Воллара в 1904 году, но без особого успеха. Его любовь к ярким и выразительным цветам стала более явной после того, как он провел лето 1904 года. живопись в Сен-Тропе с участием неоимпрессионистов Синьяка и Анри Эдмона Кросса. В этом году он написал самые важные из своих работ в стиле неоимпрессионизма — Luxe, Calme et Volupté.В 1905 году он снова отправился на юг, чтобы работать с Андре Дереном в Коллиуре. Его картины этого периода характеризуются плоскими формами и контролируемыми линиями и используют пуантилизм в менее строгих тонах. путь, чем раньше.

В 1905 году Матисс и группа художников, ныне известных как «фовисты», выставлялись вместе в зале Осеннего салона. Картины выражали эмоции дикими, часто диссонирующими цветами, без оглядки. для естественных цветов объекта.Матисс показал «Открытое окно» и «Женщину в шляпе» в салоне. Критик Луи Воксель описал работу фразой «Donatello au milieu des fauves!» (Донателло среди диких зверей), имея в виду скульптуру в стиле эпохи Возрождения, которая делила с ними комнату. Его комментарий был напечатан 17 октября 1905 года в ежедневной газете Gil Blas и стал широко использоваться. Выставка вызвала резкую критику. «Горшок с краской был брошен в лицо публике», — заявила критик Камилла Моклер, но также и положительное внимание.Когда была выделена картина, «Женщина в шляпе» Матисса, заслуживающая особого осуждения, была куплена Гертрудой и Лео Штайн, боевой дух художника значительно улучшился.

Матисс был признан лидером фовистов вместе с Андре Дереном; эти двое были дружелюбными соперниками, у каждого были свои последователи. Другими членами были Жорж Брак, Рауль Дюфи и Морис де Вламинк. Художник-символист Гюстав Моро (1826–1898) был вдохновляющим учителем движения; будучи профессором Школы изящных искусств в Париже, он заставлял своих студентов мыслить вне рамок формальность и следовать их видению.

То, о чем я мечтаю, — это искусство баланса, чистоты и безмятежности, лишенное тревожных или удручающих тем … успокаивающее, успокаивающее влияние на разум, нечто вроде хорошего кресла, которое обеспечивает расслабление от физического переутомления. ”
— Анри Матисс

В 1907 году Аполлинер, комментируя Матисса в статье, опубликованной в La Falange, сказал: «Мы здесь не в присутствии экстравагантного или экстремистского предприятия: искусство Матисса в высшей степени разумно.» Но работы Матисса того времени также встречали резкую критику, и ему было трудно обеспечивать свою семью. Его скандальная картина 1907 года «Ню блю» была сожжена на Оружейной выставке в г. Чикаго в 1913 году.

Упадок фовистского движения после 1906 года никак не повлиял на подъем Матисса; многие из его лучших работ были созданы между 1906 и 1917 годами, когда он был активным участником большого собрания художников. талант на Монпарнасе, хотя он и не совсем вписывался, с его консервативной внешностью и строгими буржуазными рабочими привычками.Он продолжал впитывать новые влияния: после просмотра большой выставки исламских искусства в Мюнхене в 1910 году, он провел два месяца в Испании, изучая мавританское искусство. Эффектом на искусство Матисса стала новая смелость в использовании интенсивного немодулированного цвета, как в L’Atelier Rouge (1911).

Матисс долгое время был связан с коллекционером русского искусства Сергеем Щукиным. Специально для Щукина одну из своих главных работ «Танец» он создал в составе двух живописных комиссий, вторая картина — Музыка, 1910 год.Ранняя версия La Danse (1909) находится в коллекции Музея современного искусства в Нью-Йорке.

Гертруда Стайн, Академия Матисс и сестры Конус

Примерно в 1904 году он встретил Пабло Пикассо, который был на 12 лет моложе Матисса. Эти двое стали друзьями на всю жизнь, а также соперниками, и их часто сравнивают; одно ключевое различие между ними заключается в том, что Матисс рисовал и писал с натуры, тогда как Пикассо был гораздо более склонен работать с воображением.Чаще всего оба художника рисовали женщины и натюрморты, причем Матисс с большей вероятностью помещал свои фигуры полностью. реализованные интерьеры. Матисс и Пикассо впервые встретились в парижском салоне Гертруды Стайн и ее спутницы Алисы Б. Токлас. В первое десятилетие 20-го века американцы в Париже, Гертруда Штейн, ее братья Лео Штайн, Майкл Штайн и жена Майкла Сара были важными коллекционерами и сторонниками картин Матисса.Кроме того, две американские подруги Гертруды Стайн из Балтимора, сестры Коун. Кларабель и Этта стали главными покровителями Матисса и Пикассо, собирая сотни их картин. Коллекция Конуса сейчас выставлена ​​в Художественном музее Балтимора.

В то время как многочисленные художники посещали салон Stein, многие из них не были представлены среди картин на стенах на улице Rue de Fleurus, 27. Где Моне, Сезанн, Матисса и Пикассо доминировали в коллекции Лео и Гертруды Стайн, в коллекции Сары Стайн подчеркивался Матисс.

Среди знакомых Пабло Пикассо, которые также посещали субботние вечера, были: Фернанда Оливье (любовница Пикассо), Жорж Брак, Андре Дерен, поэты Макс Жакоб и Гийом Аполлинер, Мари Лорансен. (Любовница Аполлинера и самостоятельный художник) и Анри Руссо.

Его друзья организовали и финансировали Académie Matisse в Париже, частную некоммерческую школу, в которой Матисс обучал молодых художников.Он действовал с 1907 по 1911 год. Ханс Пуррманн и Сара Штайн были среди нескольких его самых преданных учеников.

Всегда есть цветы для тех, кто хочет их увидеть. »- Анри Матисс

После Парижа

В 1917 году Матисс переехал в Симье на Французской Ривьере, в пригород Ниццы.Его работа примерно через десять лет после этого переезда показывает расслабление и смягчение его подхода. Это «возврат к порядку» характерен для многих видов искусства периода после Первой мировой войны, и его можно сравнить с неоклассицизмом Пикассо и Стравинского и возвращением к традиционализму Дерена. Его востоковедные одалиски характеристика периода; Несмотря на популярность, некоторые современные критики сочли эту работу поверхностной и декоративной.

В конце 1920-х Матисс снова начал активно сотрудничать с другими художниками. Он работал не только с французами, голландцами, немцами и испанцами, но также с некоторыми американцами и недавними иммигрантами из Америки.

После 1930 г. в его творчестве появилась новая энергия и смелое упрощение. Американский коллекционер произведений искусства Альберт С. Барнс убедил его создать для Фонда Барнса большую фреску «Танец II», которая была завершена в 1932 году. Фонду принадлежит еще несколько десятков картин Матисса.

Он и его 41-летняя жена расстались в 1939 году. В 1941 году ему сделали операцию по колостомии. После этого он начал пользоваться инвалидной коляской, и до самой смерти за ним ухаживала русская женщина Лидия. Делекторская, в прошлом одна из его моделей. С помощью помощников он приступил к созданию коллажей из вырезанных из бумаги, часто крупномасштабных, так называемых gouache découpés. В его серии Blue Nudes есть яркие примеры этого. технику он назвал «живопись ножницами»; они демонстрируют способность передать его взгляд на цвет и геометрию в новую среду предельной простоты, но с игривой и восхитительной силой.

В 1947 году он издал книгу «Джаз» ограниченным тиражом, содержащую отпечатки красочных коллажей, вырезанных из бумаги, а также его письменные мысли. В 1940-х годах он также работал художником-графиком и занимался черно-белыми изображениями. иллюстрации для нескольких книг и более ста оригинальных литографий в Mourlot Studios в Париже.

Матисс, совершенно аполитичный, был шокирован, когда услышал, что его дочь Маргарита, которая активно участвовала в Сопротивлении во время войны, была замучена (почти до смерти) в тюрьме Ренна и приговорена к тюремному заключению. Концентрационный лагерь Равенсбрюк.

По словам Дэвида Рокфеллера, последней работой Матисса был дизайн витража, установленного в Юнион-церкви на Покантико-Хиллз недалеко от поместья Рокфеллеров к северу от Нью-Йорка. «Это был его последний художественное творчество; «Макет был на стене его спальни, когда он умер в ноябре 1954 года», — пишет Рокфеллер. Монтаж был завершен в 1956 году.

Если бы мой рассказ когда-нибудь был написан правдиво от начала до конца, он бы всех поразил.”
— Анри Матисс

Наследие

В 1951 году Матисс завершил четырехлетний проект по дизайну интерьера, стеклянных окон и украшений Chapelle du Rosaire de Vence, часто называемой капеллой Матисса. Этот проект стал результатом тесная дружба между Матиссом и сестрой Жак-Мари. Он нанял ее в качестве медсестры и модели в 1941 году, прежде чем она стала доминиканской монахиней, и они снова встретились в Вансе и начали сотрудничество. в ее книге 1992 года «Анри Матисс: Шапель де Ванс» и в документальном фильме 2003 года «Модель для Матисса».

Он основал музей, посвященный его работам, в 1952 году в городе, где родился, и теперь этот музей является третьей по величине коллекцией работ Матисса во Франции.

Матисс умер от сердечного приступа в возрасте 84 лет в 1954 году. Он похоронен на кладбище монастыря Нотр-Дам-де-Симье, недалеко от Ниццы. Как Уильям Шекспир по литературе и Зигмунд Фрейд по психологии, влияние Анри Матисса на движение фовизма огромно.Благодаря влиянию, которое он оказал на живопись после Второй мировой войны, Репутация Анри Матисса выше, чем когда-либо прежде. Следуя принципу, обсужденному Гансом Хофманном, этот цвет отвечал за структурные конфигурации картины, было продемонстрировано в американском абстрактное искусство. Работы Джексона Поллока, Марка Ротко и других художников цветового поля продемонстрировали этот стиль в своих произведениях. Следуя этой концепции, Матисс — влиятельная фигура ХХ века и решающая фигура того времени.Определяя четко живописный язык, цвета и арабески, вместо того, чтобы рассматривать живопись как Средство для достижения цели, Матисс оказал большое влияние на будущие движения и произведения художников 20-го века.

Анри Матисс и фовизм

Фовизм был первым из авангардных движений, процветавших во Франции в первые годы двадцатого века.Художники-фовисты первыми порвали с Импрессионизм (ведущий художник: Клод Моне), а также более старые традиционные методы восприятия. Их спонтанная, часто субъективная реакция на природу выражалась смелыми, неприкрытыми мазками и резкими яркими цветами прямо из тюбика.

Анри Матисс (француз, 1869–1954) и Андре Дерен (француз, 1880–1954) добавили неестественные цвета и яркие мазки в свои картины летом 1905 года, работая вместе в небольшом рыбацком порту Коллиур. на берегу Средиземного моря.Когда в том же году их картины были выставлены в Осеннем салоне в Париже (Матисс, Женщина в шляпе), они вдохновили остроумного критика Луи Вокселя. называть их fauves («дикие звери») в своей рецензии на журнал Gil Blas. Позднее этот термин был применен к самим художникам.

Фовисты представляли собой группу художников нечеткой формы, разделяющих схожий подход к природе, но у них не было окончательной программы. Их лидером был Анри Матисс, прибывший в Фов стиль после более ранних экспериментов с различными постимпрессионистскими стилями Винсента Ван Гога, Гогена и Сезанна, и неоимпрессионизм Сёра, Кросса и Синьяка.Эти влияния вдохновили его отказаться от традиционного трехмерного пространства и вместо этого искать новое картинное пространство, определяемое движением цветовых плоскостей, как живопись. Юный моряк.

Еще одним крупным фовистом был Морис де Вламинк (француз, 1876–1958), которого можно было бы назвать «естественным» фовистом, потому что его использование очень интенсивных цветов соответствовало его собственной яркой натуре. Вламинк сделал последний шаг к охватывая стиль фов после просмотра второй большой ретроспективной выставки работ Ван Гога в Салоне независимых весной 1905 года и картин фовского искусства, созданных Матиссом и Дереном в Коллиуре.

Как художник, Дерен занимал место между безудержным Вламинком и более сдержанным Матиссом. Он работал с Вламинком в Шату, недалеко от Парижа, с перерывами, начиная с 1900 года («Школа Шату»), и провел лето 1905 года с Матиссом в Коллиуре. В 1906-1907 годах он также написал около 29 сцен Лондона в более сдержанной палитре.

Другими важными фовистами были Кес ван Донген, Шарль Камуан, Анри-Шарль Манген, Отон Фриез, Жан Пюи, Луи Вальтат и Жорж Руо.К ним в 1906 году присоединились Жорж Брак и Рауль Дюфи.

Для большинства этих художников фовизм был переходным этапом обучения. К 1908 году возродившийся интерес к видению Поля Сезанна порядка и структуры природы привел многих из них к отказаться от бурной эмоциональности фовизма в пользу логики кубизма. Брак стал соучредителем кубизма с Пикассо. Дерен после недолгого заигрывания с кубизмом стал широко популярный художник в несколько неоклассической манере.В одиночку Матисс следовал избранному им курсу, достигая тонкого баланса между своими эмоциями и миром, который он рисовал.

Движение фовистов сравнивают с немецким экспрессионизмом (ведущие художники: Пауль Клее, Василий Кандинский, и Густав Климт), оба проецирующие яркие цвета и спонтанную манеру письма, и обязаны тем же источникам конца девятнадцатого века, особенно Ван Гог. Французов больше интересовали формальные аспекты организации изображения, в то время как немецкие экспрессионисты были более эмоционально вовлечены в свои предметы.

Танец Анри Матисса

В 1909 году Матисс получил важный заказ. Чрезвычайно богатый российский промышленник Сергей Щукин попросил Матисса три больших полотна для украшения винтовой лестницы его особняка Трубецких. в Москве. Большая и всеми любимая картина Dance I в MoMA названа несколько лукаво. Хотя он и выполнен в натуральную величину и написан маслом, Матисс считал его не более чем подготовительным эскизом.И все же сравнение первоначальных и финальные версии поучительны. Матисс позаимствовал мотив с обратной стороны картины 1905-06 годов Bonheur de Vivre, хотя и удалил одного танцора.

В «Танце I» фигуры выражают легкое удовольствие и радость, которые были неотъемлемой частью более раннего фовского шедевра. Фигуры нарисованы свободно, почти не имеют внутренней четкости. Их сравнивают с куклами-мешками из-за их бесформенных и неограниченных движений.Тела определенно не удерживаются каким-то образом. Но не позволяйте этой детской непосредственности вводить вас в заблуждение. Матисс очень старается, чтобы его картины казались легкими. Представьте на мгновение, что вместо этого детского стиля Матисс решил передать эти фигуры с застывшей плотностью Жака Луи Давида. Было бы так хорошо выражено чувство чистой радости … чувство игры? Матисс сделал то, что на самом деле очень сложно. Он усвоил уроки репрезентации, так что он может создавать изображение, в котором форма соответствует содержанию.

Танцоры обитают в сияющем сине-зеленом поле. Но что именно означает зеленый цвет? Многие быстро ответили бы: «Трава на вершине холма». Хорошо, но что же тогда означает синий цвет? Читал лекции в МоМА, многие Слушатели предложили бы, что «синее небо, возвышающееся над холмом». Но даже после того, как это было сказано, несколько других членов моей группы могли начать выглядеть разочарованными. Тогда можно сказать: «Это не то, что я вижу, синий цвет на самом деле вода. возвращаясь вдаль.«Матисс здесь, даже в кажущейся простой визуализации, использовал пространственную двусмысленность, чтобы исследовать одну из ключевых проблем современной живописи — конфликт между иллюзией глубины и подтверждение плоскостности холста. И последнее: вы заметили разрыв в круге? Руки двух передних танцоров разводятся. Матисс старался допускать этот разрыв только там, где он перекрывает колено, чтобы не нарушать непрерывность цвета. Зачем это делать? Роль часто интерпретируется двояко: как источник напряжения, требующий разрешения, или как приглашение к нам, зрителю присоединиться, в конце концов, разрыв находится в точке, наиболее близкой к нашей позиции.

Финальная версия The Dance имеет совсем другой эмоциональный характер. Он был описан как запретный, угрожающий, племенной, ритуальный и даже демонический. Кажется, что удары барабанов почти слышны, поскольку простое удовольствие от оригинала перегруженный. Что вызывает эти резкие перепады настроения? Помимо изменения цвета, которое довольно очевидно, фигуры холста 1910 года прорисованы с большей внутренней линией, линией, которая часто предполагает напряжение и физическую силу. Смотрите для Например, задняя левая фигура.Еще одно более тонкое изменение происходит, когда две задние фигуры касаются земли. На полотне 1909 года зеленый цвет достигает ног двух самых танцоров, на полотне 1910 года происходит кое-что еще, кажется, что зелень сжимается под весом танцора. Это тонкое изменение создает ощущение легкости или веса и влияет на то, как мы воспринимаем каждую картину. Так что будьте осторожны, прежде чем делать вывод, что Матисс был Рисуя, как ребенок, он точно знал, что делал.

Анри Матисс | Биография, искусство, картины, золотые рыбки, вырезы и факты

Годы становления

Матисс, родители которого занимались зерновым бизнесом, не проявлял особого интереса к искусству, пока ему не исполнилось 20 лет. С 1882 по 1887 год он учился в средней школе в Сен-Кантене; после года обучения юриспруденции в Париже он вернулся в Сен-Кантен и стал клерком в адвокатской конторе. Он начал рано утром заниматься рисованием в местной школе Квентин-Латур, а в 1890 году, оправляясь от тяжелого приступа аппендицита, начал рисовать, сначала копируя цветные репродукции в коробке с маслом. его мать дала ему.Вскоре он украшал дом своих бабушек и дедушек в Le Cateau. В 1891 году он отказался от закона и вернулся в Париж, чтобы стать профессиональным художником.

Хотя в то время у него, по его собственным словам, были «волосы, как у Авессалома», он был далеко не типичным студентом богемы Левобережья, изучающим искусство. «Я с головой погрузился в работу, — сказал он позже, — по принципу, который я слышал всю свою молодую жизнь, выраженному словами« Поторопитесь! ». Как и мои родители, я торопился в своей работе, подгоняемый тем, что не знаю. Не знаю чем, силой, которую сегодня я воспринимаю как нечто чуждое моей жизни как нормальному человеку.Это евангелие труда XIX века, происходящее из среднего класса, воспитанного на севере Франции, должно было означать всю его карьеру, и вскоре оно сопровождалось полностью буржуазной внешностью — очками в золотой оправе; короткая, аккуратно подстриженная борода; пухлое, кошачье тело; консервативная одежда — что было странно для ведущего представителя парижского авангарда.

Однако Матисс не сразу стал авангардистом. В 1891 году, чтобы подготовиться к вступительным экзаменам в официальной Школе изящных искусств, он поступил в частную Академию Жюлиана, где мастером был строго академический Вильгельм-Адольф Бугро.То, что Матисс должен был начать свое обучение в такой консервативной школе, может показаться удивительным, и однажды он объяснил этот факт, сказав, что действовал по рекомендации художника Сен-Квентина, изображающего кур и птичников. Но следует помнить, что он сам был на данный момент провинциалом со вкусами, старомодными в Париже, уже знакомом с постимпрессионизмом Поля Сезанна, Поля Гогена и Винсента Ван Гога. Его самые ранние полотна выполнены в голландской манере 17-го века, любимой французскими реалистами 1850-х годов.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

В 1892 году Матисс оставил Академию Жюлиана для вечерних занятий в Школе декоративного искусства и в ателье художника-символиста Гюстава Моро в Школе изящных искусств, не требуя сдачи вступительных экзаменов. Моро, терпеливый учитель, не пытался навязать своим ученикам свой стиль, а скорее поощрял их развивать свои личности и учиться на сокровищах Лувра.Матисс продолжал, с некоторыми долгими перерывами, учиться в ателье до 1899 года, когда он был вынужден уйти из-за нетерпимого художника Фернана Кормона, ставшего профессором после смерти Моро. После этого, хотя ему было около 30, он какое-то время часто посещал частную академию, где с перерывами давал занятия портретист Эжен Каррьер.

В 1896 году Матисс выставил четыре картины в Национальном салоне изящных искусств и стал триумфальным. Он был избран ассоциированным членом общества «Салон», а его модель Woman Reading (1894 г.) была куплена государством.С этого момента он становился все более уверенным и азартным как художник и как мужчина. В течение следующих двух лет он предпринял экспедиции в Бретань, встретил ветерана импрессионистов Камилла Писсарро и обнаружил серию шедевров импрессионистов в коллекции Гюстава Кайботта, которая только что была подарена французской нации на фоне протестов консерваторов. Его цвета на время стали светлее и в то же время более насыщенными. В 1897 году он сделал свой первый серьезный шаг к стилистическому освобождению и устроил небольшой скандал в Салоне с The Dinner Table , в котором он объединил яркость Пьера-Огюста Ренуара с твердо классической композицией темно-красного и зеленого цветов.

В 1898 году он женился на молодой женщине из Тулузы Амели Параайр и на год уехал из Парижа, посетив Лондон, где изучал картины Дж. М. У. Тернера и работал на Корсике, где он получил неизгладимое впечатление средиземноморского солнечного света и красок.

Анри Матисс: Портрет мадам Матисс. Зеленая линия

Портрет мадам Матисс. Зеленая линия , картина маслом Анри Матисса, 1905 г .; в Государственном музее искусств, Копенгаген.

Королевский музей изящных искусств, Копенгаген, с разрешения мадам Маргерит Дутуит, разрешение S.P.A.D.E.M. 1973, French Reproduction Rights, Inc.

Франция | История, карта, флаг, столица и факты

Франция , официально Французская Республика , Франция Франция или République Française , страна северо-западной Европы. В историческом и культурном плане Франция входит в число наиболее важных стран западного мира, а также играет очень важную роль в международных делах, имея бывшие колонии во всех уголках земного шара.Окруженная Атлантическим океаном и Средиземным морем, Альпами и Пиренеями, Франция долгое время служила географическим, экономическим и лингвистическим мостом, соединяющим северную и южную Европу. Это крупнейший в Европе производитель сельскохозяйственной продукции и одна из ведущих промышленных держав мира.

Британская викторина

Страны Мира

Какая страна называет «Вальсирующую Матильду» своим неофициальным гимном? В какой стране самое большое мусульманское население? Сортируйте случайные интересные факты о странах мира.

Франция — одна из старейших наций земного шара, продукт союза герцогств и княжеств под одним правителем в средние века. Сегодня, как и в ту эпоху, центральная власть принадлежит государству, хотя за последние десятилетия регионам страны была предоставлена ​​определенная автономия. Французы смотрят на государство как на главного стража свободы, а государство, в свою очередь, предоставляет своим гражданам щедрую программу удобств, от бесплатного образования до здравоохранения и пенсионных планов.Тем не менее, эта централистская тенденция часто противоречит другой давней теме французской нации: настойчивости на превосходстве личности. По этому поводу историк Жюль Мишле заметил: «Англия — это империя, Германия — это нация, раса, Франция — это личность». Государственный деятель Шарль де Голль тоже жаловался: «Только опасность может сплотить французов. Нельзя внезапно навязать единство стране, имеющей 265 видов сыра ».

Франция Британская энциклопедия, Inc.

Эта склонность к индивидуализму сочетается с плюралистическим мировоззрением и большим интересом к большему миру. Несмотря на то, что его империалистическая стадия была вызвана импульсом к цивилизации этого мира в соответствии с французскими стандартами ( la mission civilisatrice ), французы до сих пор одобрительно отмечают слова писателя Гюстава Флобера: , не больше французского, чем китайского; и идея la patrie , отечества, то есть обязанность жить на клочке земли, окрашенном в красный или синий цвет на карте, и ненавидеть другие части, окрашенные в зеленый или черный цвет, всегда казалась мне узкой, ограниченный и безумно глупый.

Одновременно универсальная и особенная, французская культура широко распространилась и оказала большое влияние на развитие искусства и науки, особенно антропологии, философии и социологии.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Франция также оказала влияние в правительственных и гражданских делах, дав миру важные демократические идеалы в эпоху Просвещения и Французской революции и вдохновляя рост реформистских и даже революционных движений на протяжении поколений.Однако нынешняя Пятая республика пользуется заметной стабильностью с момента ее провозглашения 28 сентября 1958 года, отмеченного огромным ростом частной инициативы и подъемом центристской политики. Хотя Франция вела давние споры с другими европейскими державами (а иногда и с Соединенными Штатами, их давним союзником), она стала ведущим членом Европейского союза (ЕС) и его предшественников. С 1966 по 1995 год Франция не участвовала в интегрированной военной структуре Организации Североатлантического договора (НАТО), сохраняя полный контроль над собственными воздушными, наземными и военно-морскими силами; Однако начиная с 1995 года Франция была представлена ​​в Военном комитете НАТО, а в 2009 году президент Франции Николя Саркози объявил, что страна вновь присоединится к военному командованию организации.Как один из пяти постоянных членов Совета Безопасности ООН — вместе с Соединенными Штатами, Россией, Великобританией и Китаем — Франция имеет право вето на решения Совета.

Столица и самый важный город Франции — Париж, один из выдающихся мировых культурных и коммерческих центров. Величественный город, известный как ville lumière , или «город света», Париж часто переделывали, особенно в середине XIX века под командованием Жоржа-Эжена, барона Османа, который был приверженцем видения Наполеона III. современного города, свободного от холерических болот и переполненных старых переулков, с широкими проспектами и правильной планировкой.Сейчас Париж превратился в огромный мегаполис, один из крупнейших мегаполисов Европы, но его историческое сердце все еще можно пройти за вечернюю прогулку. Уверенные в том, что их город стоит в самом центре мира, парижане когда-то привыкли называть свою страну двумя частями: Парижем и le désert , пустошью за его пределами. Тем не менее, столичный Париж теперь распространился далеко за пределы своих древних пригородов в сельскую местность, и почти каждый французский город и деревня теперь насчитывает одного или двух пенсионеров, вынужденных покинуть город из-за высокой стоимости жизни, так что в некотором смысле Париж пришел Обнять пустыню и пустынный Париж.

Париж на фоне заката.

© Digital Vision / Getty Images

Среди других крупных городов Франции — Лион, расположенный вдоль древнего торгового пути в долине Роны, соединяющего Северное море и Средиземное море; Марсель, многонациональный порт на Средиземном море, основанный как перевалочный пункт для греческих и карфагенских торговцев в VI веке до нашей эры; Нант, промышленный центр и глубоководная гавань на побережье Атлантического океана; и Бордо, расположенный на юго-западе Франции вдоль реки Гаронна.

Ницца | История, география и достопримечательности

Ницца , портовый город, средиземноморский туристический центр и столица Приморских Альп департамент , Прованс-Альпы-Лазурный берег регион , юго-восточная Франция. Город расположен на берегу залива Ангелов, в 32 км от границы с Италией. Окруженная красивыми холмами, Ницца отличается приятным климатом и является ведущим курортным городом Лазурного берега или Французской Ривьеры.

Ницца

Ницца, Франция.

Yoannp

Основанный фокейцами Марселя (колония греческих моряков) около 350 г. до н. Э., Город, вероятно, был назван в честь победы ( nikē по-гречески) над соседней колонией. Завоеванный римлянами в I веке нашей эры, он стал оживленным торговым центром. Город принадлежал графам Прованса в 10 веке, а в 1388 году перешел под защиту графов Савойских, которые владели его до 1860 года, хотя он был захвачен и захвачен несколько раз французами в течение 17 и 18 веков. .Ницца была передана Франции по Туринскому договору (1860 г.), после чего решение было ратифицировано референдумом.

Река Пайон, теперь частично застроенная, отделяет новый город на западе от старого города, гавани и торгового района на востоке. Старый город с узкими извилистыми улочками стоит у западного подножия гранитного холма, известного как Le Château, хотя замок, венчающий его, был разрушен в 1706 году. Гавань, построенная в 1750 году и расширенная после 1870 года, теперь используется в основном паромами на Корсику и парусными судами.Существует также регулярное пассажирское сообщение с Корсикой. Самая яркая часть нового города — знаменитая Английская набережная, которая возникла в 1822 году как тропа вдоль берега, построенная английской колонией. Он тянется на 2,5 мили (4 км) вдоль набережной и состоит из двух широких проезжих частей, разделенных цветочными клумбами и пальмами.

В Музее изящных искусств Жюля Шере и Музее Массена есть коллекции ранних итальянских картин и произведений художников XIX века и современных художников.Мемориал художнику Марку Шагалу был построен для размещения коллекции библейских картин, подаренных художником в 1966 году. В миле к северо-востоку от центра города находится древний епископальный город Симье, в котором находятся величественные руины римского амфитеатра. Рядом находится вилла 17 века с археологическим музеем и коллекцией из более чем 40 картин и рисунков французского художника Анри Матисса.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.Подпишитесь сейчас

Ницца имеет давнюю историю туризма, как летом, так и зимой, и является одним из основных видов экономической деятельности города. Помимо пляжей и яхтенной гавани, туризм стимулируется культурными объектами, магазинами и архитектурным наследием Ниццы; Деловой туризм также имеет большое значение, на базе Конгресс-центра Акрополя и связанных с ним выставочных залов. Кроме того, каждый год организуются многочисленные мероприятия и фестивали, в частности карнавал в Ницце, который проводится с 1873 года, а также открытый теннисный турнир.Ницца — крупный коммерческий и административный центр на востоке региона Прованс-Альпы-Лазурный берег, его влияние простирается далеко за пределы Приморских Альп , департамент . Многочисленные малые и средние фабрики расположены в Ницце, особенно на равнине Вар на западе. Более позднее экономическое развитие все больше ассоциируется с большим соседним научным парком София-Антиполис. Высокотехнологичные фирмы часто работают в тесном сотрудничестве с Университетом Ниццы (основан в 1965 году).

пляж в Ницце

Промытый Средиземным морем галечный пляж в Ницце на Французской Ривьере.

© Nedra Westwater / Black Star

Ницца связана с национальной сетью автомагистралей и обслуживается высокоскоростным поездом (TGV), соединяющим город с Парижем и северной Францией. Этот аэропорт является вторым по величине во Франции (после Парижа) и стал центром различных сфер распространения и обслуживания. Поп. (1999) 342 738; (2014 г.) 343 895.

Анри Матисс — 1008 произведений

Анри Матисс был французским художником, рисовальщиком, скульптором и гравером.Его работы, известные своим использованием цвета, считаются основополагающими для современного пластического искусства, наряду с работами Пабло Пикассо и Марселя Дюшана. В 18 лет он пошел изучать право, работая администратором суда. Но после приступа аппендицита, во время которого его мать дала ему краски и мольберт, чтобы скоротать время, он начал рисовать, вскоре бросив юридический факультет, чтобы продолжить свою художественную карьеру, к разочарованию своего отца.

Он познакомился с работами практически неизвестного в то время Ван Гога, в 1897 и 1898 годах, когда он посетил своего друга, художника Джона Питера Рассела, на острове Бель-Иль, что полностью изменило его стиль живописи.Любитель всего искусства, он с головой ушел в творчество своих собратьев-художников и часто влезал в долги, покупая работы других художников. Он черпал вдохновение в работах других художников, черпая вдохновение из таких разнообразных источников, как японское искусство, импрессионизм, постимпрессионизм и пуантилизм.

Его работа, охарактеризованная как «fauvre» или «дикий», часто встречалась с резкой критикой, из-за чего ему было трудно обеспечивать жену и детей. Из-за неистовой ненависти к его работам его «Голубая обнаженная» была сожжена в 1913 году на Оружейной выставке в Чикаго.Хотя у него были резкие критики, у него были любящие последователи, в том числе Гертруда Стайн и ее семья. В течение 1907-1911 годов его друзья организовали и финансировали художественную школу Academie Matisse, в которой Матисс мог обучать молодых художников.

В более поздние годы Матисс, который частично зависел от инвалидной коляски, продолжал свои художественные усилия, создавая вырезанные из бумаги коллажи, и работал художником-графиком. В 1947 году он также опубликовал сборник своих печатных и письменных работ «Джаз».Перед смертью от сердечного приступа он основал музей своих работ, что помогло ему стать ведущей фигурой в движении современного искусства.

Более …

Анри Эмиль Бенуа Матисс (французский: [ɑ̃ʁi emil bənwɑ matis]; 31 декабря 1869 — 3 ноября 1954) был французским художником, известным как своим использованием цвета, так и своим плавным и оригинальным рисованием. Он был рисовальщиком, гравером и скульптором, но известен прежде всего как художник.

Матисс, наряду с Пабло Пикассо, обычно считается одним из художников, которые лучше всего помогли определить революционные события в изобразительном искусстве на протяжении первых десятилетий двадцатого века, ответственного за значительные достижения в живописи и скульптуре. Вместе с Пикассо Матисс помог определить радикальное современное искусство 20 века и повлиять на него. Хотя первоначально он был назван фовистом (диким зверьком), к 1920-м годам он был провозглашен сторонником классической традиции французской живописи.Его мастерство выразительного языка цвета и рисунка, проявленное в работе, охватывающей более полувека, принесло ему признание как ведущая фигура в современном искусстве.

Матисс родился в Ле-Като-Камбрезис, в департаменте Север на севере Франции, он был старшим сыном преуспевающего торговца зерном. Он вырос в Боэн-ан-Вермандуа, Пикардия, Франция. В 1887 году он отправился в Париж, чтобы изучать право, а после получения квалификации работал администратором суда в Ле Като-Камбрезис.Он впервые начал рисовать в 1889 году, после того как его мать принесла ему художественные принадлежности в период выздоровления после приступа аппендицита. Он обнаружил «своего рода рай», как он позже описал его, и решил стать художником, глубоко разочаровав своего отца.

В 1891 году он вернулся в Париж, чтобы изучать искусство в Академии Жюлиана и стал учеником Вильгельма Адольфа Бугро и Гюстава Моро. Первоначально он писал натюрморты и пейзажи в традиционном стиле, в чем достиг неплохого мастерства.На Матисса оказали влияние работы более ранних мастеров, таких как Жан-Батист-Симеон Шарден, Николя Пуссен и Антуан Ватто, а также современных художников, таких как Эдуард Мане, и японского искусства. Шарден был одним из художников, которым Матисс больше всего восхищался; будучи студентом художественного факультета, он сделал копии четырех картин Шардена в Лувре.

В 1896 и 1897 годах Матисс посетил австралийского художника Джона Питера Рассела на острове Бель-Иль у берегов Бретани. Рассел познакомил его с импрессионизмом и творчеством Ван Гога, который был другом Рассела, но в то время был совершенно неизвестен.Стиль Матисса полностью изменился. Позже он сказал: «Рассел был моим учителем, и Рассел объяснил мне теорию цвета». В 1896 году Матисс выставил пять картин в салоне Société Nationale des Beaux-Arts, две из которых были куплены государством.

От модели Кэролайн Жоблау у него была дочь Маргарита, родившаяся в 1894 году. В 1898 году он женился на Амели Ноэлли Парайр; они вместе воспитывали Маргариту и имели двух сыновей, Жана (1899 г.р.) и Пьера (1900 г.р.). Маргарита и Амели часто служили моделями для Матисса.

В 1898 году по совету Камиля Писсарро он отправился в Лондон, чтобы изучить картины Дж. М. У. Тернера, а затем отправился в путешествие на Корсику. По возвращении в Париж в феврале 1899 года он работал вместе с Альбертом Марке и познакомился с Андре Дереном, Жаном Пюи и Жюлем Фландреном. Матисс погрузился в работу других и залез в долги, покупая работы художников, которыми он восхищался. Среди работ, которые он повесил и выставил в своем доме, были гипсовый бюст Родена, картина Гогена, рисунок Ван Гога и «Три купальщицы» Сезанна.В том, что Сезанн чувствовал изобразительную структуру и цвет, Матисс находил свое главное вдохновение.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.