Дизайнер одежды википедия: Кутюрье — Википедия – Дизайн — Википедия

Фортуни, Мариано (модельер) — Википедия

В Википедии есть статьи о других людях с фамилией Фортуни.

Мариано Фортуни
исп. Mariano Fortuny
Имя при рождении	исп. Mariano Fortuny y Madrazo
Дата рождения	11 мая 1871(1871-05-11)[1][2][3]
Место рождения
Дата смерти	3 мая 1949(1949-05-03)[1](77 лет)
Место смерти
Страна
Род деятельности	художник, инженер, скульптор, фотограф, изобретатель, модельер-дизайнер, сценограф, дизайнер
Отец	Мариано Фортуни
Мать	Сесилия де Мадрасо
Супруга	Henriette Negrin[d]
Сайт	fortuny.com
Медиафайлы на Викискладе

Кларисса Кудер, миссис Конде Наст в шёлковом платье Мариано Фортуни, около 1917 года.

Мариано Фортуни-и-Мадрасо (исп. Mariano Fortuny y Madrazo; 11 мая 1871 (1871-05-11), Гранада — 3 мая 1949, Венеция) — испано-итальянский дизайнер одежды, основатель собственного модельного дома (1906—1946), один из ключевых дизайнеров XX века.

Сын известного художника-ориенталиста Мариано Фортуни и Сесилии де Мадрасо. Остался без отца в трёхлетнем возрасте, в детстве жил с матерью в Париже и Венеции, много путешествовал по Европе, был подающим надежды художником, скульптором, архитектором, фотографом, но предпочёл стать дизайнером. В 1897 году женился на Анриэтте Негрин.

Известен как модельер, дизайнер, театральный художник и изобретатель. Занимался изготовлением шёлка — производил его на специально открытой для этих целей в 1919 году фабрике на острове Джудекка в Венеции. Создавал абажуры для светильников из шёлка собственного производства. Эти объекты до сих пор считаются маркером Фортуни благодаря узнаваемому опаловому цвету абажуров, узорам и шёлковым шнурам с кистями и стеклянными бусинами. Производство оригинальных ламп закончилось в конце 1920-х. До начала 1980-х, когда стали появляться первые реплики, ни одна из венецианских мастерских не решалась повторить «Фортуни» — из-за технической сложности и проблем с патентами.

Умер в своем доме в Венеции в 1949 году, похоронен в Риме на кладбище Кампо Верано.

Жизнь Мариано Фортуни описана в романе Пере Жимферрера «Фортуни».

Фортуни можно назвать одним из наиболее важных модельеров XX века. Благодаря его стратегии, были сформированы или получили распространение основные принципы костюма XX столетия. Не смотря на чувственный характер своих работ, Фортуни рассматривал костюм концептуальной формой^[5]. Большинство предложенных им платьев не предполагало использование корсета, что качественно изменило структуру одежды и повлияло на формирование новой стратегии тела^[6]. Работы Мариано Фортуни знаменовали исчезновение одежды, построенной на деформации фигуры — в частности, костюмы Фортуни положили конец S-образной силуэтной линии эпохи модерна.

Фортуни создал своеобразный тип моды, устойчивый к частым изменениям — в большей степени он культивировал стиль и образ жизни, нежели вариативность деталей и частую смену неустойчивых тенденций.

Рассматривая моду как интеллектуальное и художественное явление, Мариано Фортуни был протагонистом использования греческой темы в декоре и в костюме. В его коллекциях обращение к греческой теме подразумевало появление туники — прямого платья из тонкого плиссированного шёлка. Ориентиром его работ стала Архаическая Греция, открытая незадолго до того благодаря археологическим исследованиям Генриха Шлимана и Артура Эванса. Представления о древнегреческой цивилизации, получившие распространение в конце XIX — начале XX веков, стали основным мотивом платьев Фортуни. Его образ Древней Греции был связан с наследием крито-микенской культуры, в противовес увлечению античной классикой, считавшейся главным художественным ориентиром и стандартом на протяжении нескольких столетий

[5]. Стремление использовать греческие мотивы и соответствовать эстетическим вкусам своего времени, приобрели решающее значение в попытках Фортуни определить моду как искусство.

Центральным элементом коллекций Фортуни стала прямая плиссированная туника. Туники различных конфигураций из плиссированного окрашенного шёлка, утяжеленные бусинами из муранского стекла были основой коллекций Фортуни и стали самым узнаваемым типом одежды его ателье

[7]. Фортуни был обладателем нескольких патентов, предлагавших эффективные методы плиссировки шёлка. Изобретенный им способ обработки шёлка носит название «плиссировки Фортуни». Эта технология считается принципиально важной: шёлк плохо поддается систематической деформации и открытие новых технологических принципов позволили Фортуни создавать новые формы и типы одежды.

Платья-туники не предполагали использование жесткого утягивающего корсета, их изготавливали с рукавами, или без, их можно было носить с поясом или без него. Плиссированное платье-туника получило название «дельфос», как полагают, в честь «Дельфийского возничего». Дельфосы считаются одним из самых устойчивых видов модной одежды — практически в неизменном виде дом Фортуни выпускал их с 1900-х по 1949 год. Греческий хитон, формы которого использовал дельфос, считался нижней одеждой. Это обстоятельство сделало появление дельфоса провокационным — долгое время его рассматривали как форму платья для домашних приёмов

[8].

Клиентами дома Фортуни были Сара Бернар, Айседора Дункан, Алла Назимова, Наташа Рамбова, Лиллиан Гиш, Маркиза Касати.

История Ренессанса и декоративные ткани[править | править код]

Помимо шёлковых плиссировок, важным направлением деятельности мастерских Фортуни было создание набивных бархатов. Используя рисунки подлинных ренессансных материалов XV — XVI веков, дом Фортуни выпускал реплики и реконструкции исторических тканей. В конце 1890-х годов он увлекся набойкой тканей и создавал коллекции парчи, бархата и гобеленов в венецианской технике XV—XVI веков.

Работая с декоративными тканями, Фортуни продолжил традицию английского Движения искусств и ремесел, которое придавало особое значение декоративной системе Раннего Ренессанса. Фортуни сделал итальянское Возрождение элементом повседневного интеллектуального быта. В своих рисунках для набивных бархатов Фортуни также использовал северо-африканские и восточные мотивы. Рассказывая о работах Мариано Фортуни, Марсель Пруст сравнивает их с убранством и мозаиками собора Святого Марка в Венеции, обращая внимание на их ориентальную направленность.

В своем романе В поисках утраченного времени Марсель Пруст неоднократно упоминает шёлковые туники Мариано Фортуни как образец тонкого и единичного вкуса. Пруст называет их одеждами, сшитыми по «старинным венецианским рисункам», обращая внимание на исторический характер этих платьев. Многие из работ Фортуни используют мотивы итальянского Ренессанса и находят прямые и косвенные аналоги в живописи итальянского (в том числе венецианского) Возрождения. Пруст также обращает внимание на уникальность каждого рисунка Фортуни, на его автономный характер и строение, видя в этой единичности изящество и смысловую тонкость костюмов Фортуни. Пруст говорит о значительности этих работ, считая их плодом долгих размышлений и рефлексий, а также обращает внимание на их сценический подтекст и оторванный от жизни характер. Пруст сравнивает систему Фортуни с костюмной точностью героинь Бальзака, указывая на очевидное сходство двух стратегий.

«Теперешние туалеты лишены такой выразительности, за исключением платьев работы Фортуни. В описании романиста не должно содержаться ни малейшей неопределенности, потому что платье это действительно существует и ничтожнейшие его узоры так же естественно положены на нем, как орнамент на произведении искусства. Надевая то или другое, женщина должна была сделать выбор не между почти одинаковыми нарядами, но между глубоко индивидуальными платьями, каждое из которых можно было бы наименовать»

— Марсель Пруст, Пленница ^[9]

Также Фортуни работал в сфере театра. Его интерес к театру зародился на волне увлечения музыкой и сценографией к операм Рихарда Вагнера^[10]. В 1892 году Фортуни слушал оперы Вагнера в Париже, а затем, во время путешествия по Германии, посетил театр в Байройте, специально построенный Вагнером для постановки его произведений. Сценография театра в Байройте побудили Фортуни заняться театральной инженерией и декорацией, поддержав его в интерес к созданию синтетического произведения искусства. Идеальный театр Фортуни — это организм, где технические принципы и декоративные элементы объединены в единую систему.

Он изобрел систему смены театральных декораций, известную как «панорамный купол Фортуни». Он был обладателем патентов в области декоративного и театрального освещения. Один из первых патентов, связанных с осветительной системой театра был получен Фортуни в 1901 году^[11]. В 1922 году его изобретения были использованы в театре Ла Скала в Милане при постановке вагнеровского Парсифаля.

• 

  Туника с бусинами из муранского стекла, около 1910 — 1920. Музей костюма, Мадрид.

• 

  Туника из плиссированного шёлка, около 1921 — 1950. Музей костюма, Мадрид.

• 

  Пальто из бархата, 1911 — 1920. Музей костюма, Мадрид.

• 

  Платье Дельфос, около 1921 — 1950. Музей костюма, Мадрид.

1. ↑ ^{1 2} RKDartists
2. ↑ SNAC — 2010.
3. ↑ Real Academia de la Historia Diccionario biográfico español — Real Academia de la Historia, 2011.
4. ↑ Museum of Modern Art online collection
5. ↑ ^{1 2} Васильева Е. Идеальный мир. О выставке Мариано Фортуни в Государственном Эрмитаже / Теория моды: тело, одежда, культура, № 43, весна 2017, с. 283-287
6. ↑ Стил В. Корсет / Пер. с английского М.Маликовой. — М.: Новое литературное обозрение, 2010. — 272 с. ISBN 978-5-86793-775-5.
7. ↑ Osma G. De. Mariano Fortuny; his Life and Work. New York: Rizzoli, 1980. ISBN 0847803279
8. ↑ Нейман Б. Наследие Мариано Фортуни-и-Мадрасо на выставке в Нью-Йорке Архивная копия от 4 января 2017 на Wayback Machine / Теория моды. Одежда. Тело. Культура № 29 (осень 2013). с. 225—229.
9. ↑ Пруст М. Пленница. / Пер. с фр. А. Франковского. — СПб.: ИНАПРЕСС, 1998. ISBN 5-87135-047-X
10. ↑ Bolpagni P. Fortuny e Wagner. Il wagnerismo nelle arti visive in Italia / Catalogo della mostra, Venezia-Milano, Fondazione Musei Civici di Venezia — Skira, 2012. ISBN 978-88-572-1468-9.
11. ↑ Fortuny M. Apparatus for the production of stage effects, US patent 791336

• Васильева Е. Идеальный мир. О выставке Мариано Фортуни в Государственном Эрмитаже / Теория моды: тело, одежда, культура, № 43, весна 2017, с. 283-287
• Нейман Б. Наследие Мариано Фортуни-и-Мадрасо на выставке в Нью-Йорке / Теория моды. Одежда. Тело. Культура № 29 (осень 2013). с. 225—229.
• Bolpagni P. Fortuny e Wagner. Il wagnerismo nelle arti visive in Italia / Catalogo della mostra, Venezia-Milano, Fondazione Musei Civici di Venezia — Skira, 2012. ISBN 978-88-572-1468-9.
• Deschodt A., Davanzo-Poli D. Mariano Fortuny — Un magicien de Vinise. Paris; Editions du Regard,1979.
• Osma G. De. Mariano Fortuny; his Life and Work. New York: Rizzoli, 1980. ISBN 0847803279

где учиться, зарплата, плюсы и минусы

Модельер в общем понимании этого слова – специалист, который занимается созданием одежды. Существуют и более узкие специализации: модельер-художник отвечает в большей степени за визуальную составляющую, а модельер-конструктор – за составление предельно точных чертежей будущих предметов гардероба. Однако один человек вполне может совмещать в себе обе эти функции.

Читайте также:

Краткое описание: кто такой модельер?

Модельер может создавать одежду, обувь, аксессуары, головные уборы. Сложность работы модельера в том, что он должен хорошо разбираться не только в технических аспектах производства предметов гардероба, но и в актуальных модных трендах. Более того, именно модельеры создают новые тенденции мировой fashion-индустрии. Это, с одной стороны, очень творческая профессия, а с другой – крайне техническая, потому что сама по себе красивая задумка (без создания качественных лекал, подбора подходящих тканей и технологий пошива) не превратится в одежду, которая нравится людям.

Особенности профессии

Модельер отвечает практически за полный цикл создания одежды, обуви или аксессуаров: от создания предварительных набросков до подготовки и отбора всех схем и материалов, которые нужны для непосредственного производства. Хотя это творческая профессия, уровень допустимого креатива сильно зависит от того, где работает специалист: некоторые фабрики ориентированы на выпуск типовых изделий, тогда как другие модные дома – на создание новых трендов. Основные обязанности модельера на рабочем месте сводятся к следующим:

• Создание рисунков и набросков будущих предметов гардероба.
• Разработка полноценных эскизов на основе выполненных набросков (возможно, после их обсуждения с клиентом, если одежда шьется на заказ).
• Изготовление выкроек, лекал и других иллюстративных материалов, которые позволят запустить модель в производство.
• Индивидуальный пошив изделий, либо контроль за процессом их изготовления при массовом производстве.
• Проверка качества производства предметов гардероба.
• Примерка и подгонка изделий под клиента (при индивидуальном пошиве).
• Презентация изготовленной продукции (заказчикам, на модных показах), участие в разработке концепций для рекламных кампаний.

Вакансия модельера также может предполагать участие в различных конкурсах, конференциях, общение с журналистами, поставщиками или партнерами. Такой специалист может вести и преподавательскую деятельность (как основную, либо совмещая ее с основной).

Модельєр — Вікіпедія

Матеріал з Вікіпедії — вільної енциклопедії.

Модельє́р, кутюр’є́ (фр. couturier — «кравець») — спеціаліст із виготовлення моделей одягу, засновник експериментальних зразків, що визначає спосіб і стиль, загальне конструктивне рішення та нові технологічні рішення, розробки декору, вибір кольору та матеріалу, продумують аксесуари та всілякі доповнення.

Характеристика професії[ред. | ред. код]

Вибираючи одяг, звертаємо увагу не лише на зручності, а й на його зовнішній вигляд. Робота модельєра полягає у формуванні одягу і аксесуарів до нього. Існують модельєри, творчість яких дуже екстравагантно і виконує, в основному, функцію творчого самовираження. Звичайна людина в одязі, сконструйованому таким модельєром, вийти на вулицю не ризикне. Переважна частина модельєрів створює моделі одягу, в якому людина не привертає до себе зайвої уваги. Деякі модельєри воліють не гучну назву модельєра, а дизайнера одягу. Модельєри працюють в невеликих ательє мод і на великих швацьких підприємствах. Виконуючи окремі замовлення модельєр створює для кожного клієнта персональну модель одягу, і в такому разі можна бути абсолютно впевненим, що хтось інший в схожому одязі по місту не ходить. Модельєр вибирає на свій смак тканини, і відповідні до них нитки і ґудзики. Щоразу цікава тканина виявляється джерелом натхнення, виходячи з якого, модельєр може сконструювати яку-небудь нову модель. Модельєр зустрічається з клієнтами, цікавиться їхніми побажаннями і приймає замовлення. Звичайно, ексклюзивний одяг коштує значно більше, ніж той, що куплений в звичайному магазині.

Модельєр окрім основного одягу формує також і аксесуари до нього — капелюхи, рукавички, шарфи і взуття. Ідеї модельєра здійснюються за кресленнями конструкторів і кравців, з якими у модельєра повинні бути налагоджені співпраця і взаєморозуміння. Модельєри, що працюють на швейних підприємствах та фабриках, створюючи нові моделі одягу, повинні враховувати, що дана модель має підійти, по можливості, для широкого кола споживачів, тому що показником успішної роботи творця моди є великий успіх продажу. На початку сезонів модельєри беруть участь на показах моди, де вони демонструють свої нові моделі і укладають договори з новими клієнтами.

Залежно від робочого місця робочий час модельєра може змінюватися. Робочий день модельєрів, що працюють на швейних фабриках, зазвичай починається в 8.00 і закінчується в 17.00, а робочий час модельєра, що має своє ательє, ненормований. Темп роботи визначається термінами і кількістю клієнтів; частіше всього клієнти можуть завітати після обіду та в вечірній час. Модельєр працює, зазвичай, не один, в нього є помічники — конструктори і кравці, таким чином, результат залежить від зусиль всієї команди. У роботі модельєра фізичне навантаження менше, більше розумове. Злети творчості можуть змінюватися кризами, і це цілком природно для роботи художника.

Сама активна пора роботи — початок сезону, коли одяг замовляють і купують більше.

Необхідні знання, навички та якості характеру[ред. | ред. код]

Професії модельєра вчать в Художній академії, але багато випускників курсу конструювання одягу мають також хороший художній смак і самі придумують нові моделі. Відоміші модельєри мають вищу художню освіту. Творець моди повинен знати технологію одягу, вміти креслити ескізи і конструювати моделі. Він повинен стежити за тим, що відбувається в світі моди і бути в курсі новітніх напрямків, щоб задовольняти бажання навіть самих вимогливих клієнтів. Творець моди повинен мати творчий початок, оригінальність і хороший смак. Він повинен знати тканини і матеріали, знати, що до чого личить. Модельєру доводиться спілкуватися з клієнтами і кравцями, і для цього необхідне хороше вміння бути зрозумілим для інших.

Уорт, Чарльз Фредерик — Википедия

Материал из Википедии — свободной энциклопедии

В Википедии есть статьи о других людях с фамилией Уорт.

Чарльз Фредерик Уорт (англ. Charles Frederick Worth; 1825—1895) — французский модельер английского происхождения, основатель дома моды House of Worth, один из первых представителей высокой моды^[2][3].

Уорт родился в 1825 году в Боурне в Линкольншире (Англия) в семье стряпчего. Проработав в нескольких магазинах тканей в Лондоне, в 1846 году он переехал в Париж. Там он работал у торговцев тканями Гажелена и Опигеза. Во время работы в их магазине он женился на одной из моделей фирмы, Мари Верне. Мари примеряла шали и шляпки для потенциальных клиентов. Уорт создал несколько простых платьев для жены, про которые начали спрашивать клиенты.

Став младшим партнёром в фирме, Уорт предложил своим партнёрам заняться пошивом одежды, но они не решались рисковать своей репутацией в таком непочётном бизнесе. В 1858 году Уорт познакомился с состоятельным шведом, Отто Бобергом, который был готов профинансировать предприятие. Вместе они открыли швейную мастерскую Уорта и Боберга. Уорт вскоре попал под патронаж французской императрицы Евгении, после чего у него стали одеваться дамы полусвета Кэтрин Уолтерс^[4] и Кора Перл, австрийская принцесса Паулина фон Меттерних, любовница императора Вирджиния Ольдоини, актриса Сара Бернар и певица Нелли Мельба. Многие из его клиентов приезжали в Париж из других стран, в том числе из США.

Значительная часть работы Уорта была связана с переопределением женской модной формы, что включало избавление от излишних рюш и оборок и использование дорогих тканей для создания простых форм. Он считается первым дизайнером, который начал ставить метки на создаваемой им одежде^[5]. Вместо того, чтобы позволить клиенту диктовать дизайн, как было принято раньше, он четыре раза в год показывал модельные платья на показах мод. Его покровительницы выбирали модель, которая после этого шилась в выбранных тканях и с учётом их фигуры.

Уорт первым стал использовать для показа новых моделей не деревянные бюсты, а модные показы, на которых молодые дамы демонстрировали созданные им наряды. Своих манекенщиц Уорт называл sosies (фр. двойники)^[6].

Уорт и Боберг закрылись во время франко-прусской войны и вновь открылись в 1871 году как House of Worth — уже без Боберга. Уорт ввёл в бизнес своих сыновей Гастона (основателя Chambre Syndicale de la Haute Couture) и Жана-Филиппа, которые продолжили дело после его смерти в 1895 году.

1. ↑ Diana de Marly, Worth Father of Haute Couture. Elm Tree Books, London. (1980) ISBN 0-241-10304-5, page 2.
2. ↑ Jacqueline C. Kent (2003). Business Builders in Fashion – Charles Frederick Worth – The Father of Haute Couture The Oliver Press, Inc., 2003
3. ↑ Claire B. Shaeffer (2001). Couture sewing techniques «Originating in mid- 19th-century Paris with the designs of an Englishman named Charles Frederick Worth, haute couture represents an archaic tradition of creating garments by hand with painstaking care and precision». Taunton Press, 2001
4. ↑ See report of a court case, 1873 (неопр.) (недоступная ссылка). Дата обращения 12 июля 2013. Архивировано 27 апреля 2013 года.
5. ↑ charles-frederick-worth (неопр.). ask answer. answer.com (2008). Дата обращения 24 ноября 2008. Архивировано 16 июля 2013 года.
6. ↑ Марк Тангейт, 2014, с. 24.

Зайцев, Вячеслав Михайлович — Википедия

Вячесла́в Михайлович За́йцев (при рождении Кокурин^[2]) (род. 2 марта 1938 года) — советский и российский художник-модельер, живописец и график.

Вячеслав Зайцев родился 2 марта 1938 года в Иванове в семье рабочих Михаила Яковлевича Зайцева (? — 1994) и Марии Ивановны Кокуриной (1906—1978), отец ушёл на войну, когда Славе было 3 года, попал в плен, бежал из плена, дошел до Берлина, но после войны его посадили, как изменника Родины, отца выпустили, когда Вячеславу было 20 лет. Вячеслав и его старший брат Владимир носили мамину фамилию Кокурин, родители оформили брак, когда отец вернулся из лагерей, после смерти матери отец нашёл другую женщину, Вячеслав заботился о нём до конца его жизни. У Вячеслава был старший брат Владимир, который уже умер, брат отсидел в тюрьме десять лет, сначала угнал велосипед, позже заступился за друга и избил милиционера, работал на заводе, куда его устроил брат, зарплату пропивал.^[2]

В 1945 году Вячеслав поступил в Ивановскую среднюю школу № 22, а в 1952 году начал учёбу в Ивановском химико-технологическом техникуме, который окончил в 1956 году по специальности художника текстильного рисунка.

В 1962 году, по окончании Московского текстильного института с отличием, Вячеслав Михайлович был распределен на Экспериментально-техническую швейную фабрику Мособлсовнархоза в г. Бабушкинском районе и назначен её художественным руководителем. В самом начале деятельности Зайцев создал коллекцию спецодежды для женщин-работниц области и села, которая была отвергнута методическим советом.

Вскоре её опубликовал журнал «Пари Матч» со статьёй «Он диктует моду Москве». Спустя три года, в 1965 году автора коллекции, так и не увидевшей свет, по этой статье разыскали Пьер Карден и Марк Боан (Dior). За время, предшествовавшее встрече, В. М. Зайцев сумел проявить себя настолько убедительно в создании модной женской одежды для торговой сети столицы и области, что был приглашен на должность художественного руководителя экспериментально-технического цеха Общесоюзного Дома Моделей одежды на Кузнецком мосту. Ознакомившись с творчеством своего молодого коллеги из СССР, известные парижские кутюрье, в том числе и присутствовавший на встрече Ги Лярош, фактически признали его своим достойным собратом по профессии. Результатом их встречи явилась статья «Короли моды» в газете WWD.

Однако «равным среди равных», как называют себя избранные мастера моды мира, принадлежащие к Мезон де Кутюр в Париже, В. М. Зайцев стал почти через четверть века, в год своего пятидесятилетия (1988) — до 1986 года он был лишён возможности выезда в капиталистические страны. В ОДМО на Кузнецком мосту В. М. Зайцев проработал тринадцать лет, завершив свою деятельность в качестве заместителя художественного руководителя ОДМО, которым был с 1972 по 1978 год.

Результатом работы В. М. Зайцева в ОДМО явились: демонстрация его знаменитой «Русской серии» (1965—1968), коллекции по русским народным мотивам из ивановских ситцев (1976) и иных предложений в составе сводных коллекций ОДМО за рубежом (в США, Канаде, Японии. Франции, Югославии, Италии и многих других странах), но эти показы, принципиально важные для творческой деятельности художника, всегда проходили без участия автора.

В 1967 году В. М. Зайцев получил Гран-при за платье под девизом «Россия» на Всемирном фестивале моды в Москве.

Именно в данный период В. М. Зайцев начал восприниматься на Западе как лидер советской моды, его высокий авторитет выразился в присвоенном ему в западной прессе имени «Красный Диор», которое подчеркивало органическую связь уникального искусства модельера с лучшими традициями мировой моды.

В 1974 году чехословацкий журнал «Кветы» в «Обзоре моды за 100 лет» в галерее портретов выдающихся художников моды мира (Фредерик Ворт, Поль Пуаре, Габриэль Шанель, Кристиан Диор) рядом с именем Диора называет имя Вячеслава Зайцева.

Однако, будучи очень требовательным к себе и неудовлетворённым результатами своего труда в ОДМО, несмотря на длительные усилия возглавляемых им художников по соединению моды с жизнью, он расстаётся с работой, которой отдал долгие годы. Его доводы просты: при сложившейся системе многоступенчатых советов, государственного стандарта и отсутствии модной индустрии, модели искажают авторский замысел и устаревают в производстве, ещё не дойдя до потребителя, поэтому труд модельера неэффективен, а лозунг «оденем всех!» не содержит в себе правды^{[источник не указан 1864 дня]}.

Многие его проекты находили поддержку за рубежом. Например, в 1976 году известная чехословацкая фирма «Яблонэкс» приняла его авторскую работу — эскизы бижутерии, связывая их осуществление с украшением его же направляющих коллекций. Следствием этого явились персональные выставки В. М. Зайцева в Яблонце, Брно и Карловых Варах.

Покинув Дом Моделей одежды на Кузнецком мосту, он в скором времени связывает себя с фабрикой № 19 индпошива, на базе которой работает над модным ассортиментом вновь открываемого Дома Моды на проспекте Мира, 21, художественным руководителем которого становится в 1982 году, а в 1988 году на общем собрании коллектива единогласно избирается его директором. Именно здесь с 1982 года и по сей день мастер создаёт известные далеко за пределами нашей страны авторские коллекции моделей Pret-a-Porter и Haute Couture, постоянно занимаясь поиском стиля своей фирмы, того стиля, что отличает и делает узнаваемыми любые изделия В. М. Зайцева^{[источник не указан 1864 дня]}.

В числе наиболее известных коллекций мастера:

• «1000-летие Крещения Руси» (1987—1988) — показана в Нью-Йорке и Париже,
• «Русские сезоны в Париже» (1988) — показана в Париже,
• коллекция моделей одежды из европейских тканей (1988) — показана в Мюнхене,
• коллекция моделей мужской моды (1989) — показана во Флоренции на Неделе мужской моды,
• коллекция моделей женской одежды из отечественных тканей (1990) — показана в Токио на саммите «Пять выдающихся художников моды мира».

Показаны в Москве, России и ближнем зарубежье коллекции:

• «Агония перестройки» (1990—1991),
• «Ностальгия по красоте» (1992—1993),
• «Грезы» (1993—1994),
• «Воспоминание о будущем» (1994—1995),
• «Пробуждение» (1995—1996),
• «Чума» (1995—1996),
• «Как молоды мы будем» (1996—1997),
• «Соблазн» (1997),
• «Событие» (1997—1998),
• «Листая памяти страницы» (1998—1999),
• «Прозрение» — первая коллекция из меха в России (1999),
• коллекция прет-а-порте и Кутюр сезона весна-лето 2000—2001 (1999),
• «Тайны гармонии» (2000),
• прет-а-порте класса люкс 2001 (2000),
• «Посвящение» (2001),
• прет-а-порте 2002 (2001),
• «Нашествие» (2002),
• прет-а-порте 2003 (2002),
• «Дивертисмент» (2003),
• прет-а-порте 2004 (2003),
• «Ностальгия по временам ушедшим» (2004),
• «Импровизация» -прет-а-порте 2005,
• «Тайны соблазна» (2005),
• прет-а-порте де люкс 2006 (2005),
• «Игра с…» (2006),
• «Фантасмагории» (2006),
• «Истоки» (2008) и т. д.

Все коллекции имеют обширную отечественную и зарубежную прессу^{[источник не указан 1864 дня]}.

Высокий авторитет В. М. Зайцева и его активная общественная позиция придают этой деятельности целенаправленный характер, содействуя профессиональному воспитанию модельеров, педагогов и учащихся швейной отрасли, приобщению творческих и технических кадров к проблематике моды. Во многих десятках городов страны под председательством В. М. Зайцева проходят семинары, симпозиумы, фестивали моды.

Наряду с модой серьёзное внимание в своём творчестве В. М. Зайцев уделяет живописи и рисунку. Станковое искусство модельера не является подсобным средством моды: оно имеет самостоятельную художественную ценность. Высокоэстетическая пластика В. М. Зайцева выражает обобщённые философские понятия, ассоциации, а чаще: чувства, настроения, ощущения автора. Материалы, которым он отдаёт предпочтение — пастель, карандаш, фломастер. Произведения декоративны, звучны по цвету, ставят и успешно разрешают сложные смысловые и формальные задачи.

Персональные выставки В. М. Зайцева неоднократно проходили в США (Нью-Йорк, Сан-Франциско, Лос-Анджелес), в Бельгии (Берзель, Кортрек), в Эстонии (Таллин). Пять живописных и графических произведений В. М. Зайцева принадлежат Государственной Третьяковской галерее. Модели из коллекции «Как молоды мы будем» приобретены Музеем истории Москвы.

Долгая работа в театре по созданию костюмов сблизила художника со многими выдающимися актёрами, среди которых были и есть: Мария Бабанова, Любовь Орлова, Ангелина Степанова, Марк Прудкин, Михаил Ульянов, Владимир Зельдин, Андрей Миронов, Вера Васильева, Юлия Борисова, Людмила Максакова, Марианна и Анастасия Вертинские, Татьяна Лаврова, Галина Волчек, Марина Неелова, Алиса Фрейндлих и многие другие.

В 1988 г. В. М. Зайцев выполнил костюмы для солистов одного из бродвейских театров, поставившего мюзикл на музыку Дюка Эллингтона «Софистикейтед лейдиз».

Как художник костюмов В. М. Зайцев принимал участие в постановке фильмов на студиях «Мосфильм» и им. Горького: «Фокусник», «Держись за облака», «Здравствуй, цирк», «Безымянная звезда».

Продолжительное время В. М. Зайцев работает над созданием костюмов для звезд эстрады и чемпионов фигурного катания, «одевает» членов советской спортивной делегации на Олимпиаде-80 и создаёт новую униформу для советской милиции.

с 1989 года создал множество костюмов для группы На-На, с руководителем группы, Бари Алибасовым сотрудничал многие годы, ещё с 1970-х, создал коллекцию костюмов для его рок-группы «Интеграл»^[3].

В. М. Зайцев необычайно популярен: его имя без малого 40 лет связано с модой. В мировом искусстве моды он занимает своё собственное место художника и творческой личности. Все эти годы ему по праву принадлежит первенство в отечественной моде — не только как одному из первопроходцев этой области, не имевшей в отличие от Запада своей индустрии, и долго не воспринимавшей самого понятия «дизайн моды», но главным образом, по мощи таланта и весомости творческого вклада^{[источник не указан 1864 дня]}.

В. М. Зайцев одновременно практик и теоретик^{[уточнить]}.

Его авторству принадлежат две книги — бестселлеры 1980-х гг.: «Такая изменчивая мода» (изд. «Молодая гвардия») и «Этот многоликий мир моды» (изд. «Советская Россия») — обе вышли в 1980 году и в 1983 году были переизданы в Болгарии и Чехословакии.

В 1992 году издательство Агентства печати «Новости» выпустило на английском языке книгу о жизни и творчестве В. М. Зайцева «Ностальгия по красоте» (автор Л. Яралова).

В марте 2006 года издательство «Искусство XXI век» выпустило книгу-альбом «Слава Зайцев. Тайны Соблазна».

С 30 июля 2007 по 20 ноября 2009 года^[4] вёл телевизионную передачу «Модный приговор» на «Первом канале»^[5][6].

С 2009 года Вячеслав Зайцев — председатель жюри международного фестиваля моды «Губернский стиль»^[7].

В марте 2013 года к 75-летию мэтра издательская группа Navona выпустила книгу Сергея Есина «Слава Зайцев: Мастер и вдохновение».

В 2017 году издательский дом «Эксмо АСТ» выпустил автобиографическую книгу Вячеслава Зайцева «Мода. Мой дом»^[8].

В. М. Зайцев — Почётный гражданин Парижа^{[источник не указан 1864 дня]} и Почётный гражданин своего родного города Иваново.

Был мужем Марины Зайцевой, (художника, члена Московского Союза художников, дочерью балерины из театра Станиславского и военного лётчика (брак продлился всего 9 лет)) и Инны (жил с ней 1 год после развода с первой женой).

Сын — Егор Зайцев (род. 1961), дизайнер, член-корреспондент РАХ. Внучки — Мария (1 декабря 1993), Анастасия (13 августа 2008)

1. 1963 — Коллекция спецодежды для работниц области и села, 1962 (отвергнута Методическим советом ОДМО, статья «Он диктует моду в Москве», журнал «Paris Match»).
2. 1965—1968 — «Русская серия», (показы ОДМО в США, Канаде, Японии без присутствия автора).
3. 1969 — Коллекция моделей женской одежды из тканей на основе химволокон корпорации Селаниз (Selanese), 1969 (показы в Музее современного искусства, Нью-Йорк, без присутствия автора).
4. 1976 — Коллекция бижутерии по заказу компании Яблонекс (показы авторских коллекций одежды и бижутерии в городах Чехословакии).
5. 1976 — Коллекция моделей по русским народным мотивам из ивановских ситцев.
6. 1980 — Коллекция моделей для сборной СССР на ХХ Олимпийских играх.
7. 1984 — Коллекция моделей для промышленной выставки СССР в Загребе, 1984 (показы без участия автора).
8. 1985 — Коллекция моделей для всемирной выставки Экспо-85 в Цикубо, Япония, (показы без участия автора).
9. 1986 — Коллекция моделей для смешанного показа в рамках Дней культуры павильона СССР на Всемирной выставке средств продвижения в Ванкувере.
10. 1987 — Коллекция моделей «1000-летие Крещения Руси», 1987—1988, (показы в Париже и Нью-Йорке).
11. 1987 — Коллекция (направляющая) моделей в рамках лицензионного соглашения с фирмой Интерторг, 1987 (показы в США).
12. 1987 — Коллекция моделей Haute Couture «Тысячелетие крещения Руси».
13. 1988 — Коллекция моделей «Русские сезоны в Париже», 1988, (совместные показы с мадам Карвен в театре Мариньи, Париж. Получение права показа коллекций в сезонах Haute Couture).
14. 1988 — Коллекция моделей pret-a-porter (совместно с Егором Зайцевым) для советской экспозиции Всемирной выставки «Экспо-88», Австралия, Брисбен;
15. 1988 — Коллекция моделей для второго совместного показа с мадам Карвен в музее моды «Галера», Париж. 1988
16. 1988 — Коллекция моделей одежды из европейских тканей, кожи и дублёнок в рамках Недели моды, Мюнхен.
17. 1989 — Коллекция моделей мужской моды, 1989 (показы на Неделе мужской моды во Флоренции).
18. 1989 — В. М. Зайцев признан «Человеком года в мире моды».
19. 1990 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Агония перестройки».
20. 1990 — Коллекция моделей женской одежды из отечественных тканей (показ и победа на саммите «Пять выдающихся художников моды мира», Токио).
21. 1991 — Коллекция моделей униформы Национальной Гвардии и российской милиции.
22. 1991 — Коллекция для международного гала-шоу «Единая Германия», (показы в Берлине).
23. 1992 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Ностальгия по красоте».
24. 1993 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 1993/1994 «Грезы».
25. 1994 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 1994/1995 «Воспоминание о будущем».
26. 1995 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 1995/1996 «Пробуждение».
27. 1995 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Чума».
28. 1996 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Соблазн».
29. 1996 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 1996/1997 «Как молоды мы будем» (приобретены Музеем истории Москвы).
30. 1997 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 1997/1998 «Событие».
31. 1998 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Листая памяти страницы».
32. 1999 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe ss 2000.
33. 1999 — Коллекция моделей одежды из меха pret-a-porter de luxe «Прозрение».
34. 2000 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Тайны гармонии».
35. 2000 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe ss 2001.
36. 2001 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Посвящение».
37. 2001 — Коллекция моделей pret-a-porter 2002.
38. 2001 — Коллекция моделей Haute Couture 2002.
39. 2002 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Нашествие».
40. 2002 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 2002/2003.
41. 2003 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Дивертисмент».
42. 2003 — Коллекция моделей pret-a-porter 2004.
43. 2004 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Ностальгия по временам ушедшим…»
44. 2004 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe ss 2005 «Импровизация».
45. 2005 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Тайны Соблазна».
46. 2005 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe 2006.
47. 2006 — Коллекция моделей Haute Couture «Остановись мгновенье…»
48. 2006 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe ss 2006 «Игра с…»
49. 2006 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe ss 2007.
50. 2006 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 2006/2007 «Фантасмагории».
51. 2007 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «России посвящается».
52. 2007 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Светотени».
53. 2007 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe ss 2008 «С любимыми не расставайтесь…»
54. 2007 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 2007/2008 «Ожидание перемен».
55. 2007 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Фантасмагории».
56. 2008 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe ss 2009.
57. 2008 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 2008/2009 «Истоки».
58. 2009 — Коллекция моделей Haute Couture «Русский модерн. III тысячелетие».
59. 2009 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe ss 2010 «Вопреки!»
60. 2009 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 2009/2010.
61. 2010 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 2010/2011 «Метаморфозы».
62. 2010 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 2010/2011 «Прорыв».
63. 2011 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 2011/2012 «Полнолуние».
64. 2011 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe ss 2012 «Spring Classic».
65. 2012 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 2012/2013 «Ассоциации».
66. 2012 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe ss 2013 «Ностальгия».
67. 2013 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 2013/2014 «Ностальгия-2».
68. 2013 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe ss 2014 «На распутье».
69. 2013 — Коллекция моделей Haute Couture 2014.
70. 2014 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 2014/2015 «Импровизация. 90…»
71. 2014 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe ss 2015 «Из прошлого в будущее».
72. 2015 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe fw 2015/2016 «Ноктюрн».
73. 2015 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe ss 2016 «Узоры жизни».
74. 2016 — Коллекция моделей pret-a-porter de luxe «Золотой век».
75. 2016 — Коллекция (круизная) моделей pret-a-porter de luxe ss 2016 «Экзерсис».

Педагогическая и просветительская деятельность[править | править код]

1976 — Доцент кафедры моделирования одежды факультета прикладного искусства Московского технологического института — ныне Российского государственного университета туризма и сервиса (Высшая школа дизайна).

1992—1996 — Профессор кафедры моделирования одежды факультета прикладного искусства Московского технологического института — ныне Российского государственного университета туризма и сервиса (Высшая школа дизайна).

1993 — Создатель и глава жюри ежегодного конкурса «Текстильный салон», Иваново.

инициатор и попечитель конкурса «Талант», Иваново.

1994 — Создатель и глава жюри ежегодного конкурса профессиональных модельеров им. Надежды Ламановой, Москва.

1994 — Создатель и глава жюри ежегодного конкурса детских театров моды «Золотая игла», Москва, Россия.

1994 — Создатель и глава жюри постоянно действующего конкурса молодых модельеров и художников костюма «Экзерсис».

1995 — Создатель, художественный руководитель и председатель жюри ежегодного конкурса «Бархатные сезоны в Сочи».

Значительную и многолетнюю область творческой деятельности В. М. Зайцева составляет театральный костюм, сценография, театральный плакат. Для более двух десятков спектаклей столичных театров В. М. Зайцев выполнил сценические костюмы: Театр сатиры («Безумный день, или Женитьба Фигаро», «Её превосходительство»), МХАТ («Последние», «Эта странная миссис Сэвидж», «Всё кончено»), Театр имени Вахтангова («Принцесса Турандот», «Мартовские иды», «Ричард III»), Театр имени Моссовета («Сердце Луиджи»), «Современник» («Три сестры», «Вишнёвый сад», «Анфиса», «Лоренцаччо», «Кто боится Вирджинии Вулф?»), «Ромэн» («Здравствуй, Пушкин», «Мы — цыгане»). В 2013 году Вячеслав Зайцев создал костюмы к спектаклю «Пиковая дама», режиссёр Андрей Житинкин, Малый театр.

В. М. Зайцев создал костюмы к ряду спектаклей театров других городов, в том числе, для Театра балета «Эрмитаж» в Санкт-Петербурге.

В 1981 г. для постановки Галиной Волчек чеховского спектакля «Вишнёвый сад» в ГДР (г. Веймар) и в Венгрии (г. Будапешт), В. М. Зайцев был приглашен в качестве художника по костюмам; к этим же спектаклям он выполнил и театральные плакаты.

Вячеслав Зайцев является создателем уникальных костюмов к авангардному спектаклю «Лесбияночки шума цунами» по пьесе Михаила Волохова пресса

Сценография[править | править код]

1. 1963 — Костюмы к спектаклю «Принцесса Турандот», Театр имени Евгения Вахтангова.
2. 1965 — Костюмы к спектаклю «Сердце Луиджи», Театр имени Моссовета.
3. 1966 — Костюмы к спектаклю «Эта странная мисс Сэвидж», МХАТ.
4. 1967 — Костюмы к кинофильму «Фокусник».
5. 1971 — Костюмы к кинофильму «Держись за облака».
6. 1973 — Костюмы к спектаклю «Безумный день, или женитьба Фигаро», Театр Сатиры.
7. 1976 — Костюмы к спектаклю «Ричард III», Театр имени Евгения Вахтангова.
8. 1978 — Костюмы к телефильму «Безымянная звезда».
9. 1979 — Костюмы к кинофильму «Отель ‘У погибшего альпиниста’ (фильм)» (производство студии «Таллинфильм»).
10. 1979 — Костюмы к спектаклю «Её превосходительство», Театр Сатиры.
11. 1980 — Костюмы к спектаклю «Всё кончено», МХАТ.
12. 1981 — Костюмы к спектаклю «Последние», МХАТ.
13. 1982 — Костюмы к спектаклю «Вишнёвый сад», «Современник».
14. 1986 — Костюмы к спектаклю «Лоренцаччо», «Современник».
15. 1988 — Костюмы к мюзиклу «Софистикейтед лейдиз» на музыку Дюка Эллингтона, Бродвей, Нью-Йорк.
16. 1990 — Костюмы к спектаклю «Анфиса», «Современник».
17. 1991 — Костюмы к спектаклю «Мартовские иды», Театр имени Евгения Вахтангова.
18. 1991 — Костюмы к спектаклю «Кто боится Вирджинии Вульф?», «Современник».
19. 2001 — Костюмы к спектаклю «Три сестры», Театр Современник.
20. 2015 — Костюмы к спектаклям Государственного Малого Театра: «Пиковая Дама», «Маскарад», «Молодость Людовика XIV».

Также на счету Вячеслава Михайловича сценические костюмы Муслима Магомаева, Иосифа Кобзона, Тамары Синявской, Эдиты Пьехи, Александры Стрельченко, Людмилы Зыкиной, Аллы Пугачёвой, Филиппа Киркорова, Юлиана, ансамблей «Гайя», «Машина времени», «На-на».

zaitsev.info — официальный сайт.

Гаравани, Валентино — Википедия

У этого термина существуют и другие значения, см. Валентино.

Валентино Клименте Людовико Гаравани (итал. Valentino Clemente Ludovico Garavani; род. 11 мая 1932, Вогера, Италия) — известный итальянский дизайнер одежды, основатель модного дома Valentino и модных марок Valentino Garavani, Valentino Roma, и R.E.D. Valentino.

Валентино Гаравани (известный как Валентино) родился в Италии в 1932 году. Его семья была набожными католиками, с малых лет приучавшая мальчика к любви к Богу, уважению старших. С детства, как только Валентино научился держать в руках карандаш, он начал рисовать. Вместо игрушечных машин и самолетов ему нужен был листок бумаги и пару разноцветных карандашей. Осознав своё увлечение рисованием, он захотел стать модельером одежды. И вскоре поступил в Академию искусства в Милане. В 17 лет он отправился в Париж. Параллельно с занятиями в школе моды, Валентино осваивал искусство танца.

Поработав в качестве ассистента в Домах моды Жана Десса и Ги Лароша, в 1960 году Валентино возвратился в Италию.

Своим успехом Валентино отчасти обязан Элизабет Тэйлор, одной из первых обратившей внимание на талант молодого итальянца.^{[источник не указан 3576 дней]} Вскоре к ней присоединились Жаклин Кеннеди и принцесса Маргарет. В конце 60-х годов Валентино встретил Джанкарло Джиамметти, который покинул университет, где он изучал архитектуру, для того чтобы стать полноправным деловым партнером своего друга. Валентино и Джиаметти также связывали романтические отношения; оба партнера не скрывали своей гомосексуальной ориентации.

Сотрудничество этих двух людей обеспечило быстрое формирование международной империи моды: создание бутиков в Европе, США и Японии, открытие Академии Моды в Риме, финансовая поддержка ассоциации по борьбе со СПИДом. В 1967 году Валентино создал так называемую «белую коллекцию», в которой впервые появился логотип «V». Примерно в то же время журналы всего мира опубликовали фотографии кружевного миниплатья, в котором Жаклин Кеннеди вышла замуж за миллиардера Аристотеля Онассиса.

Коллекции от кутюр и прет-а-порте «Валентино» становятся символами женственности и роскошной жизни. В 1978 году на свет появляется собственный парфюм Валентино, который представляет Михаил Барышников после премьеры «Пиковой дамы» в Театре на Елисейских полях. В 1991 году, отмечая тридцатилетний юбилей своей карьеры, Валентино устроил один из самых пышных приемов в истории модной индустрии, на котором присутствовали Элизабет Тэйлор, Нэнси Киссинджер и Джина Лоллобриджида.

Туалеты Валентино стали непременным атрибутом оскаровских вечеринок, в платьях «Валентино» выходили замуж Элизабет Тэйлор, Жаклин Кеннеди-Онассис, Kортни Кокс и Дженнифер Лопес.

В 1998 году модную империю Валентино приобрёл крупный итальянский холдинг Partecipazioni Industriali, создав на её основе новую группу компаний по производству предметов роскоши. Сделка принесла модельеру и его давнему деловому партнёру 211 миллионов фунтов стерлингов.

Парфюмерная продукция Valentino производится в сотрудничестве с испанской компанией Puig.^[1]

Rock’n Dreams самая популярная женская парфюмерная композиция

Парижский период (1949—1959)[править | править код]

Валентино начал интересоваться мужской и женской модой во время учёбы в старшей школе в родном городе Вогера (провинция Ломбардия) на севере Италии, когда он был отдан в подмастерья к своей тете Розе и местному дизайнеру Эрнестине Салвадео. В возрасте 17 лет Валентино не без помощи родителей переехал в Париж, чтобы изучать моду. В Париже он учился в Школе Изящных Искусств и в Синдикате Высокой Моды.

В Париже он сначала попал к Баленсиаге, а потом нашёл вакансию для подработки у Jean Desses, где он помогал графине Жаклин д’Рибе рисовать эскизы для её платьев. Затем в течение двух лет он работал с Ги Ларошем. Большая часть ранних эскизов Валентино была утеряна. В 1951 году на выставке в Риме уже ставшие клиентами Валентино Мари-Элен де Ротшильд^[en] и Элизабет Тейлор с удивлением обнаружили, что основы стиля Валентино связаны со слоями складок и изображениями животных.

Спустя 5 лет, Валентино ушёл от Jean Desses под давлением от инцидента с затянувшимся отпуском в Сен-Тропе. В 1959 году после общения с родителями он принял решение вернуться в Италию и обосноваться в Риме.

В Риме: возвращение домой (1959—1962)[править | править код]

В 1959 Валентино возвращается в Италию из Парижа вместе со своим любовником французским светским львом Жеральдом Нанти и открывается дом мод на шикарной улице Via Condotti. Он открывает нечто большее, чем ателье. Вся улица становится похоже на то, что Валентино видел в Париже, откуда к нему на первый показ прилетают манекенщицы. Валентино стал известным благодаря своим красным платьям, яркий оттенок которых получил название «Красный Валентино»

31 июля 1960 Валентино встретил Джанкарло Джамметти во французском кафе на Via Veneto в Риме, который в то время уже два года учился в архитектурной школе. На следующий день после исторической встречи Джанкарло должен был уезжать на отдых на Капри, куда по случайному стечению обстоятельств должен прибыть и Валентино, только 10 днями позже.

После исключения из университета, Джамметти стал деловым партнером Валентино. Когда Джамметти начал свою работу, состояние ателье Валентино было не блестящим: за один год он потратил столько денег, что стоял на грани банкротства. Но предпринимательский талант Джанкарло Джамметти убеждает приступить к мировой экспансии, и этот успех позволил Валентино сфокусироваться на творчестве, переложив все остальные обязанности на своего бизнес-партнера.

Прорыв во Флоренции (1962—1967)[править | править код]

Международный дебют Валентино состоялся в 1962 году в Флоренции, в то время итальянской столицы высокой моды. Его первый показ был встречен как настоящее открытие и молодой кутюрье оказался завален заказами от иностранных покупателей и оптимистичными сообщениями в прессе. После столь успешного показа во Флоренции, Валентино начал обшивать лучших светских львиц, как некогда уже было в Париже под руководством графини д’Ротшильд^{[кто это?]}.

В 1966 году Валентино, поддерживаемый своей клиентурой, переносит свои показы из Флоренции в Риме, где спустя 2 года достигает одного из своих самых величайших триумфов — выходит его коллекция, целиком состоящая из белых вещей и знаменитым логотипом «V»

К середине 1960-х он становится неоспоримым законодателем мод в Италии, а в 1967 году получает премию Маркуса Неймана (Neiman Marcus Award), которая считается эквивалентом «Оскара» для модельеров. Его клиентами становятся Жаклин Кеннеди, принцесса Маргарет, Одри Хепберн и многие другие.

Одевая Джеки (1964)[править | править код]

В 1964 году Жаклин Кеннеди увиделa Глорию Шифф, редактора американского журнала Vogue, которая вместе с подругой Валентино Консуэло Креспи была одета в платье из органзы, состоящее из двух частей. Кеннеди спросила у Шифф имя модельера, им оказался Валентино. В сентябре 1964 Валентино презентовал свою новую коллекцию, из которой вдова президента США заказала 6 платьев чёрной и белой расцветки, чтобы носить их в течение годового траура в честь убитого супруга. С тех самых пор Кеннеди стала постоянной клиенткой Валентино, который также сшил ей белое свадебное платье для свадебной церемонии с Аристотелем Онассисом.

1970-е[править | править код]

В 1968 году открылся первый бутик Valentino в Париже.

В течение 1970-х Валентино проводит время в Нью-Йорке, где он охвачен вниманием таких людей как Диана Вриланд, главный редактор журнала Vogue, и Энди Уорхол.

В 1978 году Valentino выпустил свою первую парфюмерную композицию.

Академия Валентино[править | править код]

1989 отмечен открытием Академии Валентино, спроектированной архитектором Томасом Зиффером и расположенной недалеко от ателье Валентино в Риме. Академия предназначена для презентации художественных выставок.

Продажа дома мод[править | править код]

В 1998 Валентино и Джанкарло Джамметти продали свою компанию за $300 млн. HdP, итальянскому конгломерату, контролируемому Джованни Аньели-младшему, главе компании Fiat. В 2002 году компания Valentino S.p.A. с годовым доходом в $180 млн в год была продана Marzotto Appareli, миланскому текстильному гиганту за $210 млн. Тем не менее, Валентино продолжил работу в основанном им доме мод до самого окончания трудовой деятельности.

Уход из fashion-бизнеса[править | править код]

4 сентября 2007 года Валентино объявил, что он полностью уйдёт с мировой арены после его последнего показа в Париже. Он представил свою последнюю женскую коллекцию Ready-to-wear в Париже 4 октября под громогласные аплодисменты. 24 января 2008 Валентино был награждён Медалью города Парижа за его работу в fashion-бизнесе города, где он получил своё образование.

Любовь и семья[править | править код]

Валентино и его любовник Джанкарло Джамматти были вместе на протяжении 12 лет, скрывая свои отношения ото всех, кроме ближайшего круга друзей, хотя даже их матери ничего не знали об их связи. Когда мать Валентино, Тереза, перебралась из Вогеры в Рим, чтобы помогать сыну в управлении его бизнесом, он сказал ей, что у него была связь с итальянской актрисой Марилу Толо, единственной женщиной, которую он по-настоящему любил и с которой хотел бы иметь детей.^[2]

Покровитель искусств[править | править код]

И Валентино, и его бойфренд Джанкарло Джамматти известны своей огромной и разноплановой коллекцией предметов искусства, включающую в себя работы Пикассо, Бальтюса, Херста и многих других, различные предметы которой размещены по большей части в их домах по всему миру. В 1980 они стали друзьями и клиентами Томаса Амманна, под влиянием которого страстно увлеклись Уорхолом и Твомбли.^[3].

• 1960 Начало партнерства с Джанкарло Джамметти
• 1962 Первая международная коллекция Gotha
• 1965 Валентино становится ведущим итальянским кутюрье
• 1967 Валентино получает премию Neiman Marcus
• 1968 Репутация Валентино резко возросла после коллекции «Collezione Bianca», включающую свадебное платье, одетое Жаклин Кеннеди на свадьбу с Онассис.
• 1969 Начало бутик-линии Валентино и открытие первого магазино в Милане
• 1971 Открытие первого магазина мужской одежды Via Condotti в Риме
• 1975 Первый модный показ коллекции Валентино Ready-to-Wear в Париже
• 1976 Открывается бутик в Токио, Япония
• 1982 Публикация книги «Valentino» под редакцией Франко Риччи, презентации коллекции осень/зима в нью-йоркском музее «Метрополитен»
• 1983 Валентино сотрудничает с производителями автомобиля Lincoln Continental. Его вклад включает в себя уникальные цветовые решения для моделей 1983,1984,1985 годов выпуска.
• 1984 25 лет творческой деятельности Валентино
• 1989 Первый показ коллекции haute couture в Париже
• 1990 В феврале Валентино и Джанкарло Джамметти основывают фонд L.I.F.E, целью которого является борьба со СПИДом
• 1991 30 лет в мире fashion-бизнеса, выставка «Валентино: 30 лет Волшебства», организованная мэром Рима..
• 1995 Возвращение Валентино в Италию 14 января с показом в Stazione Leopolda
• 1996 Валентино награждается орденом За заслуги в труде
• 2004 Запуск линии косметики V для женщин, за которой последует и парфюмерная линия для мужчин
• 2006 Открывается бутик в Бостоне, США.
• 2007 Открывается бутик в Бангкоке, Таиланд.
• 2007 Открывается бутик в Гонолулу, Гавайи
• 2007 Открывается бутик в Буэнос-Айрес, Аргентина.
• 2007 Сентябрь, 4 Валентино объявляет о своем уходе
• 2007 Октябрь, 4 Валентино организовывает свой последний показ^[4]
• 2007 Открывается бутик в Далласе, штат Техас в NorthPark Center
• 2008 Открывается бутик в Атланте, штат Джорджия
• 2012 Корпорация Mayhoola for Investments S.P.C приобрела Valentino Fashion Group SpA у лондонского инвестиционного фонда Permira. Сделка оценивается в 850 миллионов долларов.

Дусе, Жак (модельер) — Википедия

В Википедии есть статьи о других людях с такими же именем и фамилией: Жак Дусе.

Жак Дусе (фр. Jacques Doucet; 19 февраля 1853, Париж, Франция — 30 октября 1929, там же) — французский модельер, коллекционер и меценат.

Жак Дусе родился в 1853 году в Париже, он был первым ребенком Эдуарда Дусе и Матильды Гоннар^[2]. Годом позже у него появилась сестра Мария. Дусе происходил из семьи продавцов одежды. Его дед Антуан в 1816 году начал своё дело, которое продолжил его сын Эдуард. С 1840 года семья жила и держала магазин на знаменитой модными домами улице де ла Пэ, где и родился Жак. С 1858 года Дом Дусе фигурировал в списке домов высокой моды Парижа. В 1869 году был продан галантерейный отдел, и Дом сосредоточился на женской продукции.

Модельер[править | править код]

Жак Дусе присоединился к семейному делу около 1874 года. К концу века он стал наряду с Чарльзом Уортом одним из самых известных модельеров Прекрасной эпохи. У Дусе одевались титулованные особы, актрисы и дамы полусвета. На протяжении многих лет он одевал актрису Режан. Среди его клиенток были среди прочих Лиана де Пужи, Каролина Отеро, Джулия Бартет, Эмильена д’Алансон и Сара Бернард^[3]. Для последней он придумал белый костюм в котором она появилась в пьесе Орлёнок^[4].

Дусе создавал вечерние туалеты и платья для дома, так называемые чайные платья. В его работах преобладали пастельные тона. Платья отличались легкостью и элегантностью. Одним из самых любимых материалов Дусе было кружево. Для украшения использовались шелковые ленты, цветы, перья и бисер. В вышивке преобладали интерпретации цветов и насекомых в стиле ар нуво. В его ателье в разное время работали Поль Пуаре и Мадлен Вионне^[5].

Первая мировая война привнесла изменения в женщин и их одежду. Дусе не удавалось идти в ногу со временем. В 1924 году его модельный дом объединился с фирмой Дуйе, и обе закрылись в 1932 году.

Коллекционер и меценат[править | править код]

Еще в молодости Жак Дусе начал интересоваться картинами его современников импрессионистов. В возрасте двадцати одного года он совершил свою первую покупку, это была картина Рафаэлли^[6]. В 1875—1880 годах он начал интересоваться искусством восемнадцатого века, и оно стало ядром его зарождающейся коллекции^[7]. Для её размещения в 1904 году архитектором Луи Пареном был построен трехэтажный особняк на улице Спотини. Туда Дусе переехал только в 1907 году предварительно проведя тщательный отбор предметов искусства которые хотел там видеть. Остальные были выставлены на продажу в мае 1906, среди них картины и рисунки Буше, Ватто, Натье и других^[8]. Каждое воскресенье двери особняка были открыты для желающих приобщиться к искусству. С 1906 года он начал интересоваться искусством Востока и при покупках советовался с востоковедом Шарлем Винье^[fr]. В его коллекции были среди прочего голубые вазы эпохи Канси, собаки Фо, фазаны Цяньлуна.

После инцидента в личной жизни, Дусе решил продать дом и коллекцию. Торги проходили с 5 по 8 июня 1912 года в галерее Жоржа Пети. К ним был выпущен каталог в трех томах с иллюстрациями представлявший рисунки, пастели, картины, скульптуры и мебель. Составлением каталога занимались один из хранителей Лувра Поль Витри, библиотекарь Национальной библиотеки Эмиль Дасье^[fr] и историк искусства из Национальных музеев Марсель Николь^[fr][9]. Среди проданных картин были портреты герцога и герцогини Альба кисти Гойи, «Жертва Минотавра» и «Огонь и порох» Фрагонара, «Мыльные пузыри» и «Карточный домик» Шардена, «Омаи» Рейнольдса, «Прачки у фонтана» Робера, портреты кисти Ларжильера, Дюкрё, Лоуренса, Перронно и многие другие. «Портрет Дюваля де л’Эпинуа» Латура приобрел Генри Ротшильд, обойдя своих соперников по ставкам, за шестьсот тысяч франков. На тот момент это была самая большая сумма заплаченная за картину во Франции^[10]. Три дня торгов принесли Дусе почти четырнадцать миллионов франков.

Библиофил[править | править код]

Библиотека искусства и археологии[править | править код]

Жаку Дусе было известно что студенты, преподаватели и исследователи сталкивались с дефицитом информации и документов по истории искусства. Поэтому в 1908 году он начал проект по созданию коллекции книг и документов которой дал название Библиотеки искусства и археологии. С помощью своего первого библиотекаря Рене-Жана^[fr] он создал библиотеку обхватывающую искусство всех стран и времен. Среди других специалистов помогавших Дусе консультациями и книгами были синолог Эдуард Шаванн, археолог Саломон Рейнах, востоковеды Альфред Фуше и Поль Пеллио и многие другие^[12]. Дусе также финансировал исследования и поездки в интересах библиотеки, например путешествие Виктора Сегалена в Китай.

Дусе уделял внимание фотографии как источнику и средству хранения информации. Он обустроил на улице Спотини своё ателье. Особенно актуальна была фотография для документации труднодоступных археологических раскопок Азии. Востоковед Виктор Голубев предоставил библиотеке снимки сделанные в Индии. Прежде чем заказывать оригинальные снимки, была проведена работа по поиску уже существующих. Дусе лично связывался с фондами Лувра, Британским музеем, фирмами Алинари и Соммер предоставившими данные по истории древнего мира. Он заказывал копии важных документов из музеев по всему миру.

Меценат также решил создать собрание рисунков периода конца XIX — начала XX века. В письме Рене-Жану свой замысел он описывал так: «Рисунки которые будет включать собрание должны будут, в своей совокупности, давать представление о крупных течениях в искусстве, а их детали объяснять проис хождение произведений художников и изменения духа последних^{[K 3][13]}». В том же письме он обозначил восемь течений и групп артистов рисунки которых должна была иметь библиотека.

В 1918 году он передал библиотеку в дар Парижскому университету. С 2013 года она входит в фонды Национального института истории искусств.

Литературная библиотека[править | править код]

• 
• 
• 
• 
• 
• 

1. ↑ LIBRIS — 2013.
2. ↑ Chapon, 1984, с. 41.
3. ↑ Chapon, 2006, с. 83, 89, 552.
4. ↑ Chapon, 2006, с. 70.
5. ↑ Chapon, 2006, с. 70, 71.
6. ↑ Chapon, 1984, с. 75.
7. ↑ Chapon, 1984, с. 76.
8. ↑ Chapon, 1984, с. 81, 82.
9. ↑ Chapon, 1984, с. 141.
10. ↑ Chapon, 1984, с. 149, 150.
11. ↑ Stool, ca. 1925, Pierre Legrain (The Metropolitan Museum of Art)
12. ↑ Chapon, 1984, с. 108, 109.
13. ↑ Chapon, 1984, с. 118.

• François Chapon. C’était Jacques Doucet. — Fayard, 2006. — 546 с. — ISBN 978-2213630298.
• François Chapon. Mystère et splendeurs de Jacques Doucet. — Paris: Éditions J.-C. Lattès, 1984. — 416 с. — ISBN 978-2213630298.
• Elizabeth Ann Coleman. Opulent Era: Fashions of Worth, Doucet and Pingat. — New York: Thames & Hudson, 1989. — 208 с. — ISBN 0-500-01476-0.
• Jean-François Revel. Jacques Doucet, couturier et collectionneur // L’oeil: revue d’art mensuelle. — 1961. — № 84. — С. 44-51. — ISSN 0029-862X.